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Brian Harold May nace el 19 de Julio de 1947 en Twickenham. A los cinco años estaba aprendiendo a tocar el piano, pero no le gustaban demasiado, pues tenía que practicar los sábados, mientras que prefería jugar con los amigos. Cuando tenía 6 años, su padre le enseñó a tocar el ukelele, y en su séptimo cumpleaños le regalaron su primera guitarra acústica, a la cual hizo unos arreglos para poder tocarla con más facilidad y conectó a un amplificador, después de ponerle un fonocaptor construído por él mismo.

Aunque había descubierto el instrumento que amaba, no estaba satisfecho con el sonido de la guitarra acústica y pronto quiso una eléctrica. Su familia no podía pagársela, pero como Brian tenía buenas dotes en Física y su padre ela ingeniero electrónico, en Agosto de 1963 decidió construir su propia guitarra eléctrica.

La madera para el puente la consiguieron gracias a un amigo que se quería desprender de una chimenea de caoba, y Brian le dio forma a mano. La caja la hicieron con un trozo de roble. Utilizó botones para hacer los trastes y compró cuerdas, ya que no encontró el sustituto adecuado. Finalmente compró unos fonocaptores e hizo el brazo para trémolos con un trozo de acero trabajado a mano. Bautizó su guitarra como la Red Special, y es la guitarra con la que ha tocado sus mayores éxitos.

En 1969, Brian forma la banda Smile con Tim Staffel y Roger Taylor. Grabaron un álbum, “Gettin´ Smile”, pero sólo fue editado en Japón en 1982. Tim dejó la banda, y como cantante Brian y Roger escogieron a alguien que les había acompañado en las giras y había aportado muchas ideas sobre el look de Smile: Freddie Mercury. Finalmente, fue Freddie quien convenció al grupo para que se llamase Queen.

Brian ha compuesto muchos de los grandes éxitos de Queen, desde Now I´m Here hasta Too Much Love Will Kill You (con Frank Musker y Elizabeth Kamers). En la actualidad tiene cuatro álbumes en solitario: From The Odd Star Fleet Frontier (1983), Back To The Light (1992), Live At The Brixton Academy (1993) y Another World. Su canción más popular fue Driven By You, que llegó a número 6 en las listas.
FICHA ARTÍSTICA

Fecha de nacimiento: 19 de Julio de 1947
Lugar: Twickenham, England

Insrumento principal: Guitarra

Grupos anteriores a Queen:
1984 (Otoño 1964 – principios de 1968)
Smile (Otoño 1968 – Verano 1970)

Canciones acreditadas a Brian:

Keep Yourself Alive
Doing All Right (with Tim Staffell)
The Night Comes Down
Son And Daughter
Procession
Father To Son
White Queen (As It Began)
Some Day One Day
Brighton Rock
Now I’m Here
Dear Friends
She Makes Me (Stormtrooper In Stilettoes)
’39
Sweet Lady
The Prophet’s Song
Good Company
God Save The Queen (arrangement)
Tie Your Mother Down
Long Away
White Man
Teo Torriatte (Let Us Cling Together)
We Will Rock You
All Dead, All Dead
Sleeping On The Sidewalk
It’s late
Fat Bottomed Girls
Dead On Time
Dreamer’s Ball
Leaving Home Ain’t Easy
Dragon Attack
Sail Away Sweet Sister (to the sister I never had)
Save Me
Flash’s Theme
Flash To The Rescue
Battle Theme
The Wedding March
Marriage Of Dale And Ming (with Roger)
Crash Dive On Mingo City
Flash’s Theme Reprise (Victory Celebrations)
The Hero
Dancer
Put Out The Fire
Las Palabras De Amor (The Words Of Love)
Tear It Up
Machines or Back To Humans (with Roger)
Hammer To Fall
Is This The World We Created?(with Freddie)
I Go Crazy (b-side to Radio Ga Ga)
Who Wants To Live Forever
Gimme The Prize (Kurgan’s Theme)
Forever
Mother Love (with Freddie)
Too Much Love Will Kill You (con Frank Musker & Elizabeth Lamers)

Canciones acreditadas a Queen pero probablemente compuestas por Brian:

I Want It All
Scandal
Headlong
I Can’t Live With You
The Hitman
Bijou
The Show Must Go On
Lost Opportunity
My Life Has Been Saved

Canciones cantadas por Brian May:

Some Day One Day
She Makes Me (Stormtrooper in Stilettoes)
’39
Good Company
Long Away
All Dead, All Dead
Sleeping on the Sidewalk
Leaving Home Ain’ t Easy
Flash (One Verse)
Sail Away Sweet Sister (las últimas líneas cantadas por Freddie)
Who Wants to Live Forever (primer verso)
I Want It All (último verso, antes del solo)
Lost Opportunity (cara b de “I’m Going Slightly Mad”)
Let Me Live (última estrofa)
Mother Love (última estrofa)

Fuente: http://www.rockmusic.org/queen/miembros/brian.htm

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Lars Johann Yngwie Lannerback nació en Estocolmo, Suecia, él ultimo día de junio en 1963.
El matrimonio entre el padre de Yngwie, un capitán del ejercito y su madre, una mujer con aptitudes artísticas, terminó en divorcio poco después de que Yngwie nació. Siendo el hijo menor en un hogar consentidor, que incluía a su madre Rigmor, su hermana Ann Louise, y su hermano Bjorn, Yngwie (a quien su madre llamo así por el nombre de un antiguo novio) era salvaje y rebelde y le encantaba “todo lo que tuviera violencia”. Tempranos intentos de aprender piano y trompeta fallaron y la guitarra acústica que su madre le regalo cuando tenía 5 años estaba colgada en la pared de su habitación.

Pero el 18 de septiembre de 1970 cuando Yngwie vio un programa de TV acerca de la muerte del gran Jimi Hendrix, sintió una llama encenderse en su cerebro. El joven Yngwie vio con asombro como Hendrix emocionaba al publico con toneladas de feedback y ofreciendo en sacrificio su guitarra, el día que Jimi Hendrix murió, Yngwie el guitarrista nació.

Aprovechando su curiosidad y tenacidad, primero con una vieja Mosrite y después con una Stratocaster barata, Yngwie se sumergió en música de bandas como Deep Purple y pasó horas descubriendo los secretos de las composiciones. Su admiración por Ritchie Blackmore lo influenció a tocar música clásica, así, con ayuda de su hermana, conoció a los padres de la música: Bach, Beethoven, Vivaldi y Mozart, mientras Yngwie absorbía las estructuras clásicas de los maestros, su prodigioso estilo empezaba a tomar forma. Tocaba horas y horas todos los días, hasta que se quedaba dormido, casi cayéndose sobre su guitarra. Cuando cumplió 10 años tomo el apellido de soltera de su madre: Malmsteen y enfoco todas sus energías a la música, tiempo después dejo la escuela en donde se le catalogaba como un estudiante muy rebelde y problemático, pues tenía constantes peleas con sus compañeros, pero al mismo tiempo, exentaba en las materias que le gustaban: ingles y arte. Su madre noto el don musical de Yngwie y le permitió quedarse en casa escuchando discos y tocando su guitarra donde su maestría en el instrumento progresó enormemente. Lo que faltaba entre las estructuras formales de la música clásica y el fuerte estilo de Hendrix lo encontró en la música de otro virtuoso, el violinista del siglo 19 Nicolo Paganini. Viendo al violinista ruso Gideon Kremer interpretando “24 Caprices” en la televisión, comprendió por fin como fusionar su amor por la música clásica con su velocidad, energía y presencia escénica.

EL ESTILO DE YNGWIE EMPIEZA A EMERGER A los 15 mientras manejaba su bicimoto, decidió que la escuela no era para él y la dejo definitivamente. Trabajo un tiempo como ayudante en una tienda donde reparaban guitarras y aprendió a trabajar con la madera. Fue ahí donde vio un mástil festoneado por primera vez cuando llego un laud del siglo 17. La madera del mástil estaba tallada de tal manera que las crestas formaban los trastes.

Intrigado Yngwie talló el mástil de una vieja guitarra y se sorprendió con los resultados así que lo hizo en mejores guitarras. El mástil festoneado es un poco más difícil de tocar que uno normal, pero el control sobre las cuerdas mejoró tanto que Yngwie lo adopto como modificación permanente de su equipo, Fender vende la guitarra Yngwie Malmsteen Stratocaster que incluye el mástil festoneado, además de pastillas DiMarzio. En esos tiempos, Malmsteen comenzó a tocar en varias bandas construidas en base a su estilo explosivo, con largas exploraciones instrumentales para un publico sueco mas acostumbrado a grupos “pop” como ABBA. Cuando cumplió 18, él ejercito trato de reclutarlo como oficial militar, basado en sus altas calificaciones en test de inteligencia. Yngwie apareció en el cuartel y aparentemente poseído, puso un arma en su cabeza y dijo que prefería morir que estar en él ejercito. Convencidos, los reclutadores lo regresaron a su casa.

Con una encarnación temprana de Rising Force, Yngwie y varios de sus amigos grabaron un demos con 3 canciones para la CBS sueca, pero los tracks nunca salieron a la luz. Frustrado, Yngwie sabía que tenía que dejar Suecia para llegar hasta donde él quería, y empezó a enviar demos a compañías disqueras y a contactos en todo el mundo. Uno de esos demos llegó a manos de Mike Varney que contribuía en Guitar Player y fundó Shrapnel Music. Yngwie fue invitado a Los Angeles para unirse a la nueva banda de Shrapnel: Steeler.

YNGWIE EMIGRA A AMERICA El disco debut de Steeler era un disco de espléndido Heavy Metal, sobresalía el legendario solo de introducción “Hot on your Heels”. Mientras el disco se volvía famoso, Yngwie ya se había cambiado a Alcatrazz, una banda fundada por el cantante Graham Bonnett (Rainbow, MSG) Aunque en Alcatrazz se produjeron algunos de los solos más incendiarios de Yngwie como: “Kree Nakoorie”, “Jet To Jet”, y “Hiroshima, Mon Amour”, el se sentía limitado, así que el único camino era una lanzarse a una carrera solista. El primer disco fue “Rising Force”, (hoy considerado como la Biblia del rock neoclásico).

En este Barriemore Barlow (Jethro Tull)tocó la batería, Jens Johannson los teclados, Yngwie las guitarras y el bajo y Jeff Scott Soto las vocales. Este fantástico álbum llegó al numero 60 en las listas de Billboard, algo muy impresionante para una grabación casi por completo instrumental y sin ninguna canción comercial. El álbum también fue nominado por el Grammy por la mejor interpretación de rock instrumental. Pronto los honores llegaron; fue elegido en varias encuestas como el mejor guitarrista de rock poco después de que “Rising Force” fuera elegido álbum del año. Las poderosas armonías entre teclado y guitarra de Yngwie y su viejo amigo Jens Johansson (ahora con Stratovarius) ayudaron a consolidar a Yngwie Malmsteen´s Rising Force como una de las mejores bandas, además de crear un nuevo genero musical: El rock neoclásico. Muy pronto hizo su aparición el álbum “Marching Out”,en el cual el bajo fué ejecutado por Marcel Jacob y la batería por el hermano de Jens: Anders. Este disco era en su mayoría vocal y con alguna que otra melodía instrumental.

Las composiciones neoclásicas de Yngwie alcanzaron nuevas fronteras con la aparición del álbum “Trilogy” en 1986. La voz fue grabada por Mark Boals. Para este año la influencia de Yngwie en cuanto a técnica y composición era innegable y cientos de clones trataron de copiar su estilo sin comprender su idea musical. El año siguiente, 22 de junio de 1987, Yngwie estrelló su Jaguar en un árbol y rompió su cabeza con el volante, esto le causó un coagulo en el cerebro que daño los nervios motrices de su brazo derecho. Después de estar en coma por casi una semana, Yngwie volvió en si, solo para descubrir que su brazo estaba inutilizado, temeroso por el futuro de su carrera, empezó una terapia muy dolorosa para regenerar los nervios. Mientras aun se recuperaba, supo que su madre, la mayor inspiración de su vida, había muerto de cáncer en Suecia, para complicar mas las cosas, un manager abusivo le había dejado casi en la ruina con montones de deudas medicas que pagar. En vez de deprimirse y darse por vencido como muchos otros lo hubieran hecho, Yngwie se esforzó y volvió a la música. El resultado fue “Odyssey” que no es uno de los favoritos de Yngwie, pero fue aclamado por su accesibilidad.

El vídeo “Heaven Tonight”, le dio gran proyección en el ámbito mundial y lo llevó a ganar un disco de oro. Con el ex-vocalista de Rainbow; Joe Lynn Turner, la gira de”Odyssey” llevó a gente de toda clase a los conciertos, y en febrero de 1989 fueron a la entonces Unión Soviética donde hicieron una serie de conciertos muy exitosos (6 meses antes del Moscow Peace Festival)él último concierto fue grabado en vídeo y salió a la venta como “Live In Leningrad / Trial By Fire”, después de este, los miembros de la banda tomaron caminos diferentes y el nombre de Rising Force cayó en desuso.

YNGWIE SE MUDA A MIAMI Y FORMA UNA NUEVA BANDA Comenzando una nueva fase de su carrera Yngwie se mudó a Miami, Florida y reclutó una nueva banda de amigos suecos.
En las vocales entró Goran Edman quien fuera vocalista de John Norum, su versátil tesitura se adaptó fácilmente a las difíciles melodías de Yngwie. Los otros puestos fueron ocupados por músicos no muy conocidos fuera de Suecia, pero extremadamente talentosos: en el bajo Svante Henryson; quien tocaba en una orquesta sinfónica, en el teclado Mats Ollausson; experimentado músico y arreglista de estudio y el baterista Michael Von Knorring. El primer álbum con la nueva alineación fue “Eclipse” grabado y mezclado en los estudios Criteria de Miami, buen disco que demostró un lado más comercial, pero sin dejar el estilo neoclásico. Una mala promoción por la multinacional Polygram, perjudicó enormemente las ventas en Estados Unidos, pero en Japón y Europa ganó discos de oro y platino. Con una evidente frustración, Yngwie decide abandonar Polygram en condiciones no muy amigables. En marzo de 1991 el manager Nigel Thomas le consiguió un contrato con Elektra Records.

El debut de Yngwie para Elektra fue “Fire & Ice”, un disco no comercial con magnificas composiciones. Las letras estaban compuestas basándose en los acontecimientos de la vida de Yngwie y la música estaba construida en base a estructuras barrocas. Con este álbum pudo por fin cumplir con uno de sus más fervientes deseos al grabar con una orquesta; esto fue en los arreglos de “Badineire” originalmente en Suite Orquestal No. 2 (de J. S. Bach), que esta en “No Mercy” y en el solo de “Cry No More”. Aclamado por la critica “Fire & Ice” debuta en Japón en él numero 1 de las listas de ventas y vendió 100,000 copias el día que salió a la luz. El disco llegó a oro y platino en Europa y Asia. En junio de 1992, Yngwie regresó a Miami a descansar y a componer para el próximo álbum. Durante la creación del nuevo álbum, el huracán Andrés pasó por Miami en agosto de 1992, después Nigel Thomas, que había sido manager de Yngwie por 4 años, murió de un infarto en enero de 1993 y en marzo Yngwie se dio cuenta de que Elektra lo había estado robando con las regalías. En julio de 1993, Yngwie se rompió su mano derecha en un horrible accidente, y en agosto fue víctima de un falso arresto.

En septiembre, todos los cargos en contra de Yngwie fueron retirados y para octubre su mano había sanado por completo. Ya estaba firmado un contrato con Pony Canyon una casa disquera de Japón y empezó el periodo de grabación con el nuevo cantante Michael Vescera(exLoudness), el baterista Mike Terrana (exTony McAlpine), el tecladista Mats Olausson, e Yngwie en el bajo. Barry Sparks de L.A fue elegido para tocar el bajo YNGWIE GRABA SU PRIMER ÁLBUM EN EL ESTUDIO 308 A principios de enero Yngwie puso a funcionar el estudio 308 e invitó a varios viejos amigos (incluyendo a Joe Lynn Turner, Jeff Scott Soto, David Rosenthal, Marcel Jacob y Mark Boals) a un proyecto. Por muchos años, Yngwie tuvo el deseo de grabar algunas de las canciones con las que creció y que lo influenciaron de una u otra manera, por supuesto incluía a Deep Purple, Rainbow, U.K, Kansas, Scorpions, Rush y Jimi Hendrix.

Con sus amigos y con los hermanos Johansson tocando batería y algunos tracks de teclado, el disco “Inspiration” empezó a tomar forma, para mediados de abril el álbum estaba listo y la portada fue pintada por Asari Yoda. Con la banda de “Magnum Opus” prácticamente desmembrada, Yngwie formó una banda para giras que probó ser tan buena como cualquier alineación anterior; Matts Olausson continuaba en los teclados, el veterano de “Live In Leningrad en el bajo, el vocalista del álbum “Trilogy” Mark Boals, y el extraordinario baterista Tommy Aldridge que había estado en bandas como Whitesnake, Ozzy Osbourne y Pat Travers. Sudamérica fue donde se estrenó la nueva alineación, con miles de brasileños y argentinos llenando estadios. La gira continuo en Estados Unidos, Japón y Europa probando que el Heavy Metal melódico no solo no había muerto, sino que había regresado con nuevos bríos. La gira del “Inspiration” llegó a su fin en diciembre del 96, durante ese tiempo, Yngwie dio varias clínicas de guitarra en Europa, la respuesta de los fans a esas intimas sesiones le hicieron prometer mas en el futuro. Después de una estadía en Inglaterra con su amigo Uli Jon Roth, Yngwie regreso a Miami para trabajar en su nuevo álbum, además de su muy esperado trabajo para guitarra eléctrica y orquesta.

EL TRABAJO CON ORQUESTA SE HACE REALIDAD Después de meses de trabajo intensivo en su estudio de Miami, Yngwie produjo su primer álbum totalmente clásico “Concerto Suite for Electric Guitar and Orchestra in Eb minor, Op.1″ En junio del 97 Yngwie voló a Praga para tocar con la famosa Orquesta Filarmonica Czech que recientemente cumplió 100 años. En tres días de grabación intensiva, con el Director de Atlanta Yoel Levi a cargo de la batuta, quedo listo, aunque salió hasta 1998. Yngwie volvió a Miami para terminar su álbum “Facing the Animal” con nada mas y nada menos que el legendario baterista Cozy Powell (músico de primerisimo nivel que había tocado con Rainbow, Black Sabbath, Emerson-Lake & Powell y un largo etcétera), Mats Olausson teclados, Barry Dunaway se encarga del bajo y el virtuoso Mats Leven (Abstrakt Algebra) de la voz.

Este disco es uno de los mejores trabajos que Yngwie ha hecho en su vida, pero una nueva desgracia ocurrió: En abril de 1998 Cozy Powell murió en un accidente de trafico, conmocionando al mundo del rock. Yngwie rápidamente busca un reemplazo para la gira y encuentra al sueco Jonas Ostman para la gira mundial. Con esta nueva alineación sale a la luz un espléndido disco en vivo que contiene dos discos compactos donde toca canciones de toda su carrera solista y hace gala de agresividad y rapidez, este disco esta dedicado a Cozy Powell así como toda la gira mundial (probablemente lo mejor de Yngwie Malmsteen en vivo) y se titula simplemente “Live!!”. Con este formato salé también un video que fue grabado al día siguiente ahí mismo en Brasil.

ALQUIMIA NEOCLÁSICA Es en 1999 cuando Yngwie reforma la banda Rising Force y se une con Barry Dunaway, John Macaluso (TNT) y nada menos que con Mark Boals para grabar el cd “Alchemy”. El teclado lo sigue tocando Mats Olausson. A diferencia de “Facing the Animal” en este disco regresa a sus sonidos mas metaleros e inmediatamente recolecta premios y reconocimientos en Europa y Japón. En todos lados se habla de la “Resurrección” o el “Regreso de Yngwie” pues el disco tiene la energía de sus primeras grabaciones. Mark Boals, quien grabara el disco “Trilogy”, es para muchas personas el mejor cantante que Yngwie había tenido y en este disco realizó un trabajo impresionante, no hay mas que escuchar las notas sobrenaturalmente altas de “Leonardo” y las diferentes técnicas vocales de las que hace uso en toda la grabación. “Alchemy” tiene mas tracks instrumentales que los que había estado haciendo y la banda se embarcó en una súper exitosa gira mundial (con Randy Coven en el bajo).

WTEAW El siguiente disco fue “War To End All Wars” en este sigue con Mark Boals, Mats Olausson y John Macaluso pero a algunas personas no les gusta la producción (a cargo de Yngwie) y Mark Boals decide salirse antes de la gira por motivos personales y para darle promoción a su disco “The Oracle” que grabó con su nueva banda Ring Of Fire (poco antes grabó un disco solista con casi los mismos integrantes llamado “Ring Of Fire”). Después de una búsqueda de cantante para la gira encuentra a Jorn Lande pero una pelea entre Yngwie y el lo hacen abandonar la gira con todo y baterista. La respuesta de Yngwie a este problema fue traer de vuelta a Mark Boals (el traía la espinita de tocar en esta gira pues en la de “Trilogy” no pudo hacerlo) y a Tim Donahue en la batería. YNGWIE ESCRIBE LA HISTORIA Yngwie toca su “Concerto Suite” con la New Japan Philharmonic y es todo un éxito en varias ciudades de Japón. Es en una presentación de estas que lo ven ciertas personas del gobierno chino y lo invitan a hacer una gira en este país!!! Recordemos que Yngwie fue pionero en ir a lo que entonces era el régimen comunista de la U.R.S.S. y vuelve a repetir la hazaña en China, donde el rock no es aceptado por el gobierno socialista.

Fuente: http://www.musicamania.biz/artistas/yngwie_malmsteen/biografia/

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Paul Gilbert es un virtuoso guitarrista estadounidense. Nacido el 6 de noviembre de 1966 en Carbondale, Illinois. Comenzó a tocar la guitarra a los 5 años, y a los 15 apareció en la revista Guitar Player junto a Yngwie Malmsteen. En 1984 se mudó a Los Ángeles para ir a estudiar al GIT (Guitar Institute of Technology), volviéndose instructor al año.

Sus influencias van desde Eddie Van Halen e Yngwie Malmsteen hasta otras no tan comunes para un guitarrista de este estilo, como The Beatles, The Beach Boys y The Ramones.

Es considerado uno de los guitarristas más rápidos del mundo, por ello salió elegido dentro de los diez primeros en una encuesta de la revista Guitar One. No sólo se destaca por su habilidad en la guitarra eléctrica, sino que también ejecuta con la guitarra acústica aun gran nivel, como demuestra en sus discos Acoustic Samurai y Gilbert Hotel.

Ha impartido algunos talleres en video, como Intense Rock – Sequences & Techniques, Intense Rock II, Guitars from Mars, Guitars from Mars II y Terryfying Guitar Trip, donde demuestra sus habilidades como guitarrista y como instructor, enseñando a tocar la guitarra con muy buen sentido del humor.

A pesar de que muchos creen que él es Buckethead, éste fue un alumno de Paul Gilbert durante casi un año, de allí viene su parecido en la ejecución del instrumento.

Fue miembro y fundador de Racer X y Mr. Big. En 1996 dejó el grupo Mr. Big (siendo reemplazado por Richie Kotzen) y comenzó su carrera solista. Usa guitarras Ibanez y tiene varios modelos propios, como la PGM-301 . Hoy en día ya no usa guitarras con puente flotante, porque prefiere el sonido del puente rígido y el vibrato natural.

Participó en Amazing Journey: A tribute to The Who, una serie de tres conciertos homenaje a la banda The Who, junto a Billy Sheehan, Gary Cherone y Mike Portnoy.

Recientemente ha participado en el famoso concierto G3 junto a John Petrucci y Joe Satriani, donde presentó canciones de su disco “Get Out Of my Yard”.

Inicios

Paul comenzó a tocar la guitarra con cinco años pero pronto lo dejó desanimado. A la edad de 11 la retomó en plan autodidacta y de manera poco ortodoxa. Acabó asistiendo a clases, corrigió su técnica y en poco tiempo mostraría indicios de su virtuosismo.

Con 14 años formó su primera banda llamada Missing Lynx en la ciudad de Greensburg. Tocaron juntos durante dos años y compusieron su propio material. Tras ello se unió a la banda local Tau Zero pero poco después la dejó para irse a California. Apareció entonces en la revista Guitar Player junto a un tipo en auge: Yngwie Malmsteen.

Racer X

Se formó en Los Angeles con la formación original de Paul gilbert (guitarras), John Alderete (bajo), Harry Gschoesser (batería) y Jeff Martin (voces). Fuertemente influenciados por Judas Priest y las reminiscencias del estilo de Yngwie Malsmteen, incluían los vertiginososy técnicos solos de Gilbert.

En 1986 Gschoesser fue reemplazado por Scott Travis y Bruce Bouille se unió como segundo guitarrista. Bouillet era extremadamente hábil ya que tenía que complementar los siempre difíciles y exigentes fraseos de Paul. Scott Travis sería más tarde conocido por ser el baterista de Judas Priest.

Paul ganó el prestigio de ser uno de los guitarrista más rápidos del mundo, en parte, gracias a su quehacer en temas como Frenzy, Scarified, Technical Difficulties y Scit Scat Wah. Gilbert dejó Racer X en 1988, aunque se reunieron eventualmente en 1999. Hasta la fecha no ha anunciado su disolución

Mr. Big

Cuando Billy Sheehen dejó el grupo de David Lee Roth en 1988 se unió a Paul Gilbert que acababa de deja su anterior banda Racer X. Junto fundaron Mr. Big junto a Pat Torpey a la batería y el cantante Eric Martin. El grupo tuvo un gran éxito en Japón y se hicieron famosos en 1991 con su segundo disco Lean Into It, el cual incluí la balada To Be With You, ampliamente difundido en los medios alcanzando el número 1 de las lista Billboard.

Gilbert continuó tocando con Mr. Big hasta finales de los 90. Dejó la banda en 1997 para iniciar una carrera en solitario y fue reemplazado por el virtuoso Richie Kotzen

Influencias y Estilo

Sobre sus influencias el propio Paul cita a Jimmy Page, Judas Priest, Yngwie Malmsteen, Akira Takasaki, Kiss, Van Halen, Randy Rhoads y The Ramones. También se considera un fan de Beach Boys y los Beatles. De hecho, en el DVD de su disco Space Ship, nombra a George Harrison como uno de sus guitarristas favoritos.

Gilbert es capaz de adaptarse a una gran variedad de estilos como pop, rock, heavy metal, blues, jazz, funk y música clásica, pero su más conocida característica es su velocidad y versatilidad, hecho por el que la conocida revista Guitar One le nombró uno de los 10 shredders de todos los tiempos. También es uno de los precursores del punteo alterno, el tapping y el skipping.

Instructor

Paul Gilbert tuvo su propia sección en la revista especializada británica Total Guitar donde enseñaba sus técnicas gutarrísticas en el CD de acompañamiento. Incluso antes de ello, contribuyó con artículos didácticos en la revista Guitar Player entre los 80 y 90. Este periodo de colaboración duró 31 ejemplares hasta Noviembre de 2006. También enseña guitarra en el Guitar Institute of Tecnology (GIT) y es decano del mismo en su sede de Japón.

De hecho vivió una temporada en ese país tratando de aprender japonés de manos de Marty Friedman quien todavía vive allí y lo habla con fluidez. Uno de sus más exitosos estudiantes fue Brian Carroll, más conocido como Buckethead.

Proyectos

En mayo del 2003 participó en dos ocasiones en un proyecto llamado Yellow Matter Custard: una banda imitadora de los Beatles que consta de Meki Portnoy procedente de Dream Theater, Neal Morse procedente de Spock’s Beard y Matt Bissonette. Está disponible en CD y DVD. Tomaron el nombre de la letra de I am the Walrus.

Se unió junto a Portnoy y Dave LaRue y Daniel Gildenlöw para un tributo a Led Zeppelin por una banda llamada Hammer of the Gods en el 2004 y de nuevo en septiembre del 2005 con Portnoy, Sean Malone y Jason MMaster en el tributo al grupo Rush por parte de Cygnus and the Sea Monsters. También disponible en CD y DVD.

En el 2007 Paul está promocionando su último disco Get Out my Yard en la que recaló en Bilbao amen de otras ciudades europeas. También tiene previsto participar en la gira del G3 con Joe Satriani

Aparataje

Paul tiene un apoyo especial por la guitarras Ibanez y usa ejemplares de su serie PGM Signature. Su guitarra principal es una PGM300, pero dado que hace años decidió convertir su modelo de puente móvil por uno dle puente fijo en busca del vibrato natural, Ibanez le fabricó una de tales características que pasó a denominarse PGM 301. La mayoría de sus guitarras llevan pintados las aperturas de caja con forma de “f”.

A menudo usa amplificadores Laney de los que dice tener “la distorsión más natural de tubos nunca oída”. En su página web dice que tocando con Joe Satriani y John Petrucci se inspiró en acercarse más al sonido de su propia guitarra y por ello comenzó a usar los amplificadores Marshall de la serie Vintage Modern.

Paul no es dado a usar demasiados efectos en directo en comparación con sus colegas, por lo que se suele conformar con un Dunlop Wah-wah, un delay, un flanger/chorus de T.C. Electronic, un flanger Electro-Harmonix y un MXR phaser 90. En el escenario a veces se acompaña también de un Fulltone OCD Overdrive.

Solía usar preamplificadores ADA para atacar a sus Laney, aunque ahora usa los Marshal Vintage mencionados anteriormente.

Suele usar también el flanger para la afinación hacia abajo y crear un efecto de “bomba de profundidad”.

Discografía
Hendrix Tribute (1991)
King Of Clubs (1998)
Flying Dog (1999)
Beehive Live (1999)
Alligator Farm (2000)
Burning Organ (2002)
Raw Blues Power (2002)
Acoustic Samurai (2003)
Paul The Young Dude (2003)
Gilbert Hotel (2003)
Space Ship One (2005)
Get Out Of my Yard (2006)
Con Racer x:

Street Lethal
Second Heat
Live Extreme Vol. I
Live Extreme Vol. II
Technical Difficulties
Superheroes
Snowball Of Doom
Getting Heavier

Videografía

Intense Rock – Sequences & Techniques VHS
Intense Rock II VHS
Guitars from Mars Japanese DVD
Guitars from Mars II Japanese DVD
Terrifying Guitar Trip VHS
Eleven Thousand Notes DVD
Guitar Wars DVD
Space Ship Live DVD
Complete Intense Rock (DVD) 2006
Terrifying Guitar Trip (DVD) 2006
Get Out of My Yard Instructional (DVD) 2007
Get Out of My City Instructional (DVD/VCD) 2007
One Night in New York City – Yellow Matter Custard (2003)
Two Nights In North America – Hammer of the Gods (2006)
One Night in Chicago – Cygnus and the Sea Monsters (2006)
One Night in New York City – Amazing Journey (2007)

Fuente:

http://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Gilbert

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Riley B. King mejor conocido como B. B. King (Blues Boy King – Nombre tomado de un programa radial de Sonny Boy Williamson II) nacido el 16 de septiembre de 1925 en Ittabena, Misisipi, es un famoso guitarrista de blues y compositor. Es conocido por llamar a sus guitarras “Lucille”, incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida, esta es ya una tradición que inició en los 1950s.
B. B. King es considerado como uno de los mayores virtuosos del blues que ha tenido la historia de la música.

Carrera

Años de grabación

En 1947, B.B King comenzó grabando canciones bajo contrato con Los Angeles basado en RPM Records. Muchos de las primeras grabaciones de King fueron producidas por Sam Phillips, quien luego fundó Sun Records. King fue también disc jockey en Memphis, donde se ganó el apodo de “Beale Street Blues Boy”, luego abreviado B.B.

En los 1950s, B.B King se convirtió en uno de los nombres más importantes en la música R&B, con una impresionante lista de éxitos en su haber que incluía canciones como “You Know I Love You,” “Woke Up This Morning,” “Please Love Me,” “When My Heart Beats like a Hammer,” “Whole Lotta Love,” “You Upset Me Baby,” “Every Day I Have the Blues,” “Sneakin’ Around,” “Ten Long Years,” “Bad Luck,” “Sweet Little Angel,” “On My Word of Honor,” y “Please Accept My Love”. En 1962, King firmó con ABC-Paramount Records.

En noviembre de 1964, King grabó el legendario álbum Live at the Regal en el Teatro Regal en Chicago, Illinois.
B.B. King durante un concierto en Francia (1989)
B.B. King durante un concierto en Francia (1989)

Primero King tuvo éxito fuera del mercado del blues con la nueva versión de 1969 de la melodía de Roy Hawkins, “The Thrill Is Gone”, la cual se convirtió en un éxito en las listas de éxitos de pop y R&B, lo cual fue raro para un artista R&B. También se elevó al puesto 193 en Las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos de la Rolling Stone. Ganó visibilidad en la abertura del Tour por América de 1969 de Los Rolling Stones. Los sucesos dominantes de King continuaron durante los 1970s con canciones como “To Know You Is to Love You” y “I Like to Live the Love.” Entre 1951 y 1985, King apareció en la lista de éxitos de R&B de la Revista Billboard unas impresionantes 74 veces.

Corriente dominante

Los 1980s, 1990s y 2000s vieron a King grabando menos y menos, pero manteniendo una carrera muy visible y activa apareciendo en numerosos programas de televisión, fotos en las que se lo ve con más movimiento y realizando 300 noches en un año. En 1988, alcanzó a una nueva generación de fans a través del tema “When Love Comes To Town”, junto a la banda Irlandesa U2 en su álbum Rattle and Hum. En 2000, King se unió con el guitarrista Eric Clapton para grabar Riding With the King.

En 2003, King se mostró en el escenario con la banda de rock Phish en New Jersey, tocando tres de sus clásicos durante 30 minutos.

En junio de 2006, King estuvo presente en la conmemoración de su primer transmisión de radio en Three Deuces Building en Greenwood, Misisipi, donde una marca oficial del Mississippi Blues Trail fue construída.

B.B King también hizo una aparición en el Crossroads Guitar Festival puesto en marcha por Eric Clapton. En el DVD él toca “Rock Me Baby” junto a Eric Clapton, Buddy Guy y Jimmie Vaughan.

Durante los años más de 100 conciertos de BB King han sido emitidos, al menos en parte, en radio y TV a muchos países.

Gira de despedida

A los 80 años, el 29 de marzo de 2006, King tocó en el Sheffield’s Hallam Arena. Esta fue la primera parte de su gira por el Reino Unido y Europa. Realizó esta gira junto al ex-shredder/rockero convertido en blusero Gary Moore, con el cual King ha previamente realizado otras giras, incluyendo la canción “Since I Met You Baby”. Esta gira finalizó el 4 de abril con un concierto en el Wembley Arena.

En julio, B.B. volvió a Europa y en ese momento decidió realizar su despedida en Suiza, tocando dos veces (2 y 3 de julio) en la décimo cuarta edición del mundialmente famoso Festival de Jazz de Montreux y también en Zúrich en el “Blues at Sunset” el 14 de julio. Durante su último show en Montreux en el Salón Stravinski tocó junto a Joe Sample, Randy Crawford, David Sanborn, Gladys Knight, Lella James, Earl Thomas, Stanley Clarke, John McLaughlin, Barbara Hendrix y George Duke. La Gira de despedida finalizó en Luxemburgo el 19 de septiembre de 2006 en el estadio D’Coque (telonado por Todd Sharpville).
Vivo en Montreaux, julio de 2006
Vivo en Montreaux, julio de 2006

Entre noviembre y diciembre, King tocó seis veces en Brasil.

Durante una conferencia de prensa el 29 de noviembreth en São Paulo, un periodista le preguntó a King si aquella sería la verdadera gira de despedida. Él contestó: “Uno de mis actores favoritos es un hombre de Escocia llamado Sean Connery. La mayoría de ustedes lo deben conocer como James Bond, 007. Hizo una película llamada “Never Say Never Again” (Nunca digas nunca jamás).

Vida Personal

B. B. King ha sido un piloto licenciado, un conocido jugador y es también un vegetariano, no bebedor y no fumador.King ha vivido con diabetes por casi diez años y ha sido un visible portavoz en la lucha contra la diabetes, apareciendo en avisos para el manejo de productos para la diabetes.

El 26 de enero de 2007, durante una gira, King fue hospitalizado en Galveston, Texas debido a un bajo grado (100.4) de fiebre luego de un reciente ataque de influenza. Fue dado de alta el 27 de enero, tras una estadía de una noche. Tuvo tiempo para terminar su gira, con su actuación el 30 de enero.

Filantropía

El Sr. King es un defensor de la educación de la música en los niños. En 2002, fue contratado como partidario oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que provee a los niños de escuelas públicas de todo Estados Unidos lecciones e instrumentos musicales de manera gratuita. Forma parte de la tabla de organizaciones de los directores como miembro honorario.

Curiosidades

* El Boxeador Sonny Liston fue tío de King.

* De acuerdo a una lista de la revista Rolling Stone de 2003, King es el guitarrista más grande en vida, y posicionado 3ro entre los “100 guitarristas más grandes de todos los tiempos” (bajo Jimi Hendrix y Duane Allman).

* Es mencionado en la canción “Dig It” de los Beatles.

* Su cantante favorito es Frank Sinatra. En su autobiografía King habla acerca de cómo era, y es, un “Fanático de Sinatra” y cómo iba a la cama todas las noches escuchando el álbum de clásicos de Sinatra In the Wee Small Hours. King ha acreditado a Sinatra por abrirle las puertas a los artistas negros a los que no se les dio la oportunidad de tocar en lugares dominados por “blancos”. Sinatra tenía a BB King en los principales lugares en los que cantaba en las Vegas durante los años 1960.

* B. B. ha hecho apariciones como invitado en numerosos programas de televisión muy populares en los Estados Unidos, incluyendo a “The Cosby Show[6],” “The Young and the Restless[6],” “Hospital General[cita requerida],” “El Principe del Rap[6],” “Plaza Sésamo,” “Married… with Children[6]” y “Sanford and Son[6].”

* King ha usado otras guitarras además de las encarnaciones de “Lucille”, como una Fender Telecaster, Gibson ES-330, Gibson ES-335, Gibson ES-345, Gibson ES-5, y Gibson ES-175.[cita requerida]

* Cada año, durante la primera semana de junio, un festival de regreso al hogar para B.B. King es celebrado en Indianola.[cita requerida]

* Se dice que King tiene 15 hijos.

Discografía
Artículo principal: Discografía de B. B. King
B.B. King
B.B. King

Albums

1. King of the Blues (1960)
2. My Kind of Blues (1960)
3. Live at the Regal (Live, 1965)
4. Lucille (1968)
5. Live and Well (1969)
6. Completely Well (1969)
7. Indianola Mississippi Seeds (1970)
8. B.B. King In London (1971)
9. Live in Cook County Jail (1971)
10. Lucille Talks Back (1975)
11. Midnight Believer (1978)
12. Live “Now Appearing” at Ole Miss (1980)
13. There Must Be a Better World Somewhere (1981)
14. Love Me Tender (1982)
15. Why I Sing the Blues (1983)
16. B.B. King and Sons Live (Live, 1990)
17. Live at San Quentin (1991)
18. Live at the Apollo (Live, 1991)
19. There is Always One More Time (1991)
20. Deuces Wild (1997)
21. Riding with the King (2000)
22. Reflections (2003)
23. The Ultimate Collection (2005)
24. B.B. King & Friends: 80 (2005)
Honores y condecoraciones

* King fue premiado con la Medalla Nacional de Artes en 1990.[9]
* En 2004, fue premiado con un honorario Ph.D de la Universidad de Misisipi y la Real Academia Sueca de música lo galardonó con el Premio de Música Polar, por sus “significantes contribuciones al blues”.
* El 15 de diciembre del 2006, el Presidente de Estados Unidos George W. Bush premió a King con la Medalla Presidencial de la Libertad.
* Premios Grammy – King recibió un Premio Grammy por Logros en la Vida en 1987. Ganó el premio Grammy por Mejor Album Tradicional nueve veces, en 2006 (por B.B. King & Friends: 80), 2003 (por A Christmas Celebration of Hope), 2001 (por Riding with the King), 2000 (por Blues on the Bayou), 1994 (por Blues Summit), 1992 (por Live at the Apollo), 1991 (por Live at San Quentin), 1986 (por My Guitar Sings the Blues) and 1984 (por Blues ‘N’ Jazz). En 1982, ganó el Grammy por Mejor Grabación de Folk Étnica o Tradicional (por There Must Be a Better World Somewhere). El Grammy por Mejor Folk Tradicional o Étnico fue entregado por última vez en 1986; el Grammy por mejor Album de Blues Tradicional fue entregado por primera vez en 1983. En 1997, ganó un Grammy por Mejor Performance Instrumental de Rock (junto a otros artistas, para “SRV Shuffle”). En 1971, ganó el Grammy por Mejor Performance Vocal Masculina R&B (por “The Thrill is Gone”). Un Premio Grammy en el Salón de la Fama fue dado a “The Thrill is Gone” en 1998, además de otro dirigido a las grabaciones que tienen como mínimo 25 años y que tienen un “significado específico o histórico.”

B.B. King es uno de los guitarristas mas populares de todos los tiempos y una leyenda viva del blues. Considerado por muchos como el Rey del blues, es el mejor embajador en todo el mundo y ha sido de los que mas han trabajado para popularizarlo. Ha influenciado practicamente a todos los guitarristas de blues y rock que le han sucedido, debido a que su estilo es el ABC de la guitarra solista, espléndido resumen de las técnicas básicas para los solos. Su humilde y elegante estilo, mezcla de gospel, jazz y blues del Delta, es un compendio perfecto entre expresión ritmica y sintesis melódica. Con tan solo cuatro o cinco notas colocadas en el lugar preciso es capaz de decirlo todo. Esto, unido a un excelente control de bendings y prebendings a diferentes intervalos y a una técnica de vibrato, que involucra todo el antebrazo, constituye una firma sonora muy imitada pero nunca superada. Se centra en la pentatónica (aunque a menudo añade alguna nota fuera de la escala para dar un toque mas jazzero) en una posición del mástil y exprime cada una de las notas, consiguiendo que todas ellas adquieran un significado. Prefiere la expresividad a la rapidez, dando un caracter vocal a su fraseo. Debuta discográficamente en 1951 con el tema 3 O’Clock Blues y obtiene tal exito que pasa directamente de Menphis a los grandes escenarios de Nueva York. Su imagen no se puede disociar de su adorada Gibson ES-355, la mitica Lucille. En realidad, Lucille no es unica, pues posee varias ES-355 idénticas, todas con el mismo nombre. De su discografía destacan temas como Lucille, The Thrill is gone o Caldonia. Su media anual casi nunca ha bajado de los doscientos conciertos y en una carrera de cincuenta años ha lanzado al mercado mas de cincuenta albunes. Todavía mantien una actividad mas que envidiable, grabando discos junto a discipulos tan ilustres como los Rolling Stones, Van Morrison, David Gilmour o Eric Clapton y realiazndo giras por todo el mundo. B.B. King utiliza un dibujo básico para sus solos, se basa en la pentatónica y agrega otras notas. En el “diagrama de blues de B.B. King” el trata de exprimir al maximo las notas realizando un fraseo incomparable y no fijandose tanto en la velocidad.

Fuentes: http://www.guitarristas.info/foro/showthread.php?t=3750
http://www.musicamania.biz/artistas/b.b._king/biografia/

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Es probablemente el guitarrista más famoso del blues que ha tocado rock’n'roll. Pasó por los Yardbirds y Cream dos grupos que llevaron a la música rock por otros caminos distintos a las fórmulas de éxito; hizo historia con Dereck and the Dominoes interpretando Layla; su retrospectiva Crossroads es una de las más populares de la historia; y su desenchufado de los 90 lo convirtió en uno de los artistas más vendedores. Apodado “dios” contra su voluntad debido a su habilidad en la guitarra, su carrera se ha extendido más allá de lo imaginable, con altos y bajos, lo que lo ha convertido en un sobreviviente en un ambiente que además de competitivo es cambiante y caprichoso.

Nacido en Londres, Inglaterra, el 30 de marzo de 1945, Clapton se apropió del blues (como la mayoría de los músicos británicos) y se quedó en él (eso no lo hizo la mayoría) gracias a su participación en los Roosters y en los Yardbirds. Pero para el momento en que los Yardbirds estaban teniendo éxito a mediados del 65, Clapton se había marchado molesto por el aire pop que había adquirido la banda. Se fue para los Bluesbrakers de donde también partió porque necesitaba crecer.

Con Jac Bruce y Ginger Baker formaron la primera superbanda de rock: Cream. El grupo, además de influir decididamente en el rock de los 60, logró combinar la pasión de los músicos con los éxitos comerciales. Sus tres álbumes “Disraeli Gears”, “Wheels of Fire” y “Goodbye” estuvieron entre los 5 discos más vendidos en las listas. Co escribió “Sunshine of Your Love” y “Badge”, además de cantar “Crossroads”.

El grupo se desbanda y Clapton y Baker se unen a Steve Winwood y al bajista Erik Grech para armar “Blind Faith”, que duró apenas los suficiente como para producir un disco y una pequeña gira. De alguna manera, el experimento produjo música de altísima calidad, aunque muy distante de lo que se hacía en la época. De ahí salió “Presence of the Lord”, una canción que aún hoy suena bien.

Para el momento en que Eric Clapton empezó su carrera en solitario con el disco homónimo de 1970, ya era reconocido como uno de los mejores músicos debido a su trabajo en bandas como los Yardbirs, John Mayall’s Bluesbreakers, Cream, Blind Faith y Derek and the Dominoes. En ellas demostró su talento inigualable como guitarrista, lo que de alguna manera confunde, pues su salida como solista tomó demasiado tiempo para alguien de su estatura. Aunque ya tenía su proyecto como solista armado, lo demoró para integrarse a la banda D&B&F.

Durante 1971 y 1972 estuvo inactivo debido a su adicción a la heroína, pero su concierto de regreso en el Rainbow Theatre de Londres en enero de 1973 produjo un álbum que lo volvió a encaminar: “Eric Clapton’s Rainbow Concert”.

En 1974 asume su carrera seriamente con la salida de “461 Ocean Boulevard” que llegó a la cima de las listas y produjo el número uno “I Shot the Sheriff”. Fue a partir de este momento que se empezó a desarrollar la personalidad artística de Clapton. Aunque ya lo había anunciado con sus trabajos en las bandas, la mezcla rock – balada – blues se convertiría en un sello que llenaba estadios con jóvenes que se movían al ritmo de baladas cargadas de fuerza y sentimiento.

Empezó así una producción encomiable que incluyó “There’s One in Every Crowd” (marzo 1975), el concierto “E.C. Was Here” (agosto 1975), y “No Reason to Cry” (agosto 1976), que aunque no fueron tan exitosos, si le mantuvieron vigente como artista. Pero “Slowhand” (noviembre 1977), en la que aparecían “Cocaine” (escrita por JJ Cale, que también había escrito “After Midnight”) “Lay Down Sally” y “Wonderful Tonight,” vendió un millón de copias. Los discos que le siguieron “Backless” (noviembre 1978), en el que venía el éxito “Promises,” el concierto “Just One Night” (abril 1980), y “Another Ticket” (febrero 1981), con el éxito “I Can’t Stand It,” vendieron en cantidades industriales.

La década de los ochenta fue bastante mala para Clapton que aunque sacó tres discos, no fue sino hasta la colección de éxitos “Crossroads” de 1988 le recordó a la gente la calidad de músico que estaba siendo olvidado. Al año siguiente, “Journeyman”, significó el regreso y su último disco en el estudio durante los próximos cinco años.

El 1991, fallece a raíz de una caída su hijo de cuatro años. En el proceso de duelo apareció la inspiración para componer “Tears in Heaven”, dedicada a la memoria de su hijo, y que formaba parte de la banda sonora de la película “Rush”. Fue un éxito descomunal. En 1992 grabó su famoso desenchufado con MTV que se convirtió en su disco más vendido. Le siguió el álbum “From the Cradle” que fue un éxito de ventas y de críticas.

Después de este gran éxito siguió un período de malas críticas y proyectos fallidos como el dúo trip-hop TDF que formó con Simon Climie, estando él bajo el pseudónimo de “x-sample”. De esta asociación, Clapton encontró en Climie un colaborador de peso para el próximo proyecto “Pilgrim”, que aunque recibió críticas mixtas estuvo en el Top 10 de los álbumes gracias al éxito de “My Father Eyes”.

Uno de los trabajos más interesantes de Clapton vino en el 2000 cuando, junto a BB King, interpretó temas emblemáticos del blues. Aunque en materia de ventas no necesariamente fue una avalancha, la calidad del trabajo fue como un respiro para una generación de oyentes que parecían condenados a la marabunta del rap y el techno. Le ha seguido el disco “Reptile” y recientemente “One More Car One More Rider.

Tomado de http://www.radiodos.com/paginas/archivo/artistas/eric_clapton.php

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Biografía de Jimi Hendrix

(Seattle, Washington, 27 de noviembre de 1942 – Londres, 18 de septiembre de 1970)

Fue un músico basado en el rock estadounidense, considerado uno de los más grandes guitarristas de rock de todos los tiempos.

Poseía un particular talento en la guitarra eléctrica en la cual expresaba con una increíble destreza sus emociones.

En el año 2003, la revista Rolling Stones lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos

Nacido con el nombre de John Allen Hendrix, su padre le cambió el nombre por James Marshall “Jimi” Hendrix, a los cuatro años le compró una guitarra acústica de segunda mano, con la que el pequeño James aprendió a tocar a los 11 años de edad. En 1959, le compró la primera guitarra eléctrica. Jamás estudió música, fue un artista autodidacta.

Comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo King Casuals. Tuvo relativo éxito, y fue contratado por Little Richard, hasta 1965. A partir de ese año, formó su propia banda llamada Jimmy James and the Blue Flames, con la que se sucederían los éxitos y el trabajo sin descanso, explotado por sus representantes musicales. Poco después, comenzó a consumir marihuana y LSD , como la gran mayoría de músicos y artistas de la época. Creó uno de los discos más influyentes en la música del rock, eso fue en 1968 bajo el título de Electric Ladyland con temas como All Along The WatchTower, versión de Bob Dylan uno de los ídolos de Hendrix, que aparece en la película Forrest Gump y Voodoo Child usada para la batalla campal de la película En el nombre del padre.

Chas Chandler, el bajista del grupo “The Animals”, se convirtió en su representante y le convenció en 1966 para ir a Londres, donde había entonces un gran movimiento musical. Juntos crearon el grupo The Jimi Hendrix Experience, con Mitch Mitchell a la batería y Noel Redding al bajo eléctrico.

Realizó una actuación estelar (quema de guitarra incluida, durante “Wild Thing”, el último tema de la noche) en 1967, en el Festival Pop de Monterrey. También actuó, en diversos Festivales durante 1969, en el de Newport y en el “Woodstock Music & Art Fair”, donde tocó una histórica versión eléctrica del himno estadounidense como protesta a la guerra del Vietnam, (en ese momento ya era todo uno de los Iconos Hippies del momento) y que aquellos que no aceptaban la actuación de su gobierno eran también ciudadanos estadounidenses. Fue un concierto épico y uno de los más fantásticos de su carrera. En 1969 se disolvió “The Jimi Hendrix Experience” y montó un nuevo grupo llamado “Band Of Gypsys” (“Banda de Gitanos”) con Buddy Miles en la batería y Billy Cox en el bajo eléctrico.

Protagonizó el histórico concierto del Festival de la Isla de Wight en 1970. Mermado ya de fuerzas por la gira “Cry of Love”, debido a un “estresante ritmo de trabajo” mezcla de la vorágine creativa y la compleja transición hacia un bluesrock más sofisticado. A destacar también los recitales de Atlanta y Berkeley.

En 1970 estaba grabando su cuarto álbum, “First Rays of The New Rising Sun” en Londres. Se planeaba un álbum doble (por la gran cantidad de canciones, tomas y demos). Pero en la madrugada del 18 de septiembre de 1970, Jimi Hendrix ingirió una mezcla de somníferos y alcohol y murió al parecer por aspiración de vómito. Años después, luego de investigaciones, se supo que, en realidad, el músico no había muerto en el momento y con su propio jugo gástrico. Si no que en realidad, cuando lo llevaban en la camilla, James Marshall quería voltear la cabeza para poder devolver en el suelo y el camillero colocó su cabeza fuera de la camilla causando así su atragantamiento y fallecimiento. Existen diferentes versiones sobre su muerte, aunque no están probadas oficialmente. El legado musical de Hendrix ha sido trascendental para el desarrollo de la música rock, influyendo a muchos artistas en sus creaciones.

Carrera

Nació en Seattle, Washington, y su verdadero nombre era James Marshall Hendrix. Comenzó en 1961 colaborando en diversos espectáculos de Rhythm & Blues. En 1966 marchó al Reino Unido para fundar el Jimi Hendrix Experience, trío del que también formaban parte Mitch Mitchell y Noel Redding. El grupo debutó en París en 1966 y realizó giras por numerosos clubes del continente europeo, así como del Reino Unido (1966-1967). Tuvieron un éxito inmediato y canciones como “Hey, Joe”, “Purple Haze” y “The Wind Cries Mary” se situaron en los primeros puestos de las listas de éxitos británicas.

A su regreso a Estados Unidos, Hendrix actuó en el Festival Internacional de Música Pop de Monterey (1967), donde interpretó “Wild Thing”. El largometraje Woodstock (1970) recoge su participación en el famoso festival de música de 1969. Su estilo, con sugerentes giros melódicos, ritmos enérgicos y sonido amplificado, así como su costumbre de romper las guitarras que utilizaba en los conciertos, convirtieron sus actuaciones en espectáculos polémicos y enormemente populares. Su versión de “The Star Spangled Banner” (himno nacional estadounidense), en la que tocaba la guitarra con los dientes, se convirtió en una leyenda. Hendrix es uno de los guitarristas más influyentes del siglo XX a pesar de que sólo contó con tres discos de estudio editados en vida: Are You Experienced? (1967), Axis: Bold As Love (1967) y Electric Ladyland (1968). Murió en Londres y está enterrado en su ciudad natal

Experience Music Project

En 2000, se inauguró en Seattle el Experience Music Project (EMP), diseñado por el arquitecto estadounidense Frank Gehry, un museo construido en honor de Jimi Hendrix y de otros grupos estadounidenses de rock de la costa noroeste del Pacífico. El edificio contiene, además de un archivo histórico, varias salas de exposiciones, un laboratorio de música rock, una tienda y un restaurante en el que se celebran actuaciones en directo.

Discografía Albumes

Editados En Vida

1967) Are You Experienced?
(1967) Axis: Bold as Love
(1968) Electric Ladyland
(1970) Band of Gypsys

Otros
Blues (1994): 11 piezas bluseras incluyendo composiciones originales y algunas covers.
First Rays of the New Rising Sun (1997): Edición oficial de su último disco, nunca terminado.
South Saturn Delta (1997): Una de las primeras colecciones de rarezas.
BBC Sessions (1998): Las grabaciones oficiales en la emisora BBC en 1967 y 1969.
Live at the Fillmore East: Los dos primeros conciertos de Band of Gypsys en víspera de año nuevo de 1970.
Live at Woodstock (1999): Edición oficial de su presentación en el festival de Woodstock en 1969.
The Jimi Hendrix Experience (MCA Box) (2000): La gran caja de cuatro discos, llena de canciones raras.
Blue Wild Angel: Live at the Isle of Wight (2002): Edición oficial de su legendario concierto en el festival de la Isla de Wight de 1970

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Reconocido mundialmente por sus brillantes interpretaciones y por su impecable técnica, el guitarrista Pepe Romero está continuamente solicitado para celebrar recitales como solista y para actuar con orquestas. Sus aportaciones al campo de la guitarra clásica, han sido una inspiración para toda una serie de famosos compositores, que han escrito obras específicamente para él: así Joaquín Rodrigo, Federico Moreno Torroba, el reverendo Francisco de Madina, Celedonio Romero, Michael Zearrot, Paul Chiara, Lorenzo Palomo y Loris Tjeknavorian.

Nacido en Málaga, el 8 de Marzo de 1944, es el segundo hijo de “la familia real de la guitarra”, los Romeros. Comenzó sus estudios de guitarra con su padre, el legendario Celedonio Romero, y su primera actuación profesional tuvo lugar compartiendo un concierto con él cuando Pepe sólo contaba con siete años de edad.

Ha realizado una grabación de música española para voz y guitarra con Jessye Norman. En 1991 grabó con I Musici y en 1992 con Neville Marriner y la Academy of St. Martín in the Fields, el Concierto de Aranjuez y una selección de obras para guitarra solista de Joaquín Rodrigo. Ha tomado parte en la película documental Sombras y Luces: Joaquín Rodrigo a los 90 años. Su álbum, como solista, Noches de España: clásicos románticos de la guitarra, abarca más de dos siglos de composiciones españolas para guitarra. Su actual discografía cubre más de cincuenta grabaciones e incluye veinte conciertos con la Academy of St. Martín in the Fields, bajo la dirección de Sir Neville Marriner y de Iona Brown. Además, ha recuperado y estrenado importantes obras de compositores tales como Fernando Sor, Mauro Giuliani, Francesco Molino, Fernando Carulli, Johan Kaspar Mertz, Luigi Boccherini y otros. Joaquín Rodrigo escribió su último concierto de guitarra, Concierto para una fiesta, para Pepe Romero, en 1983. Esta obra fue grabada para el sello discográfico Philips. Andrés Segovia y el compositor Federico Moreno Torroba eligieron a Pepe Romero para grabar el estreno mundial de Diálogos entre guitarra y orquesta, obra que originalmente había sido compuesta para Andrés Segovia. Entre sus grabaciones mas recientes están Songs my father taught me y Corazón español.

Los aspectos más destacados de sus últimas temporadas abarcan el estreno mundial de una obra de Fernando Sor (compuesta hacia 1830 y nunca publicada), en el Spivey may de Atlanta, Georgia, actuaciones con orquesta por todo Estados Unidos, giras en concierto por Europa y Asia, varios recitales con Jessye Norman y una actuación en el Smithsonian Institute, para inaugurar su nueva exposición “The Sedes of Change”. Pepe Romero fue elegido por Joaquín Rodrigo y por el gobierno español, para ser uno de los principales participantes en la celebración mundial del 90 cumpleaños del compositor, actuando en los homenajes con la Orpheus Chamber Orchestra, en el Carnegie may, en la Sala Philharmonie de Berlin, en la Sala Musikverein de Viena y en la gran Sala de las columnas de Moscú.

Su Majestad, el rey Juan Carlos de España condecoró a Pepe Romero y a sus hermanos Celín y Angel con la orden “Isabel la Católica”. La ceremonia oficial de este alto honor, tuvo lugar en la University of Southern California el 11 de Febrero de 2000 e incluyó una presentación de Los Romero. Pepe Romero también recibió el “Premio Andalucía de Música”, el más alto reconocimiento otorgado por su tierra natal por su contribución a las artes. También recibió un doctorado honorario en música de la University of Victoria, British Columbia.

Como solista, ha actuado en Estados Unidos con las orquestas sinfónicas de Filadelfia, Cleveland, Chicago, Houston, Pittsburg, Boston, San Francisco y Dallas, así como con las filarmónicas de Nueva York y Los Angeles y la Boston Pops Orchestra. Entre las orquestas con las que ha actuado en Europa y el Reino Unido cabe destacar las siguientes: Academy of St. Martín in the Fields, Filarmónica de Montecarlo, Orquesta de Cámara de Zurich, Philharmonia Hungarica, Orquesta Estatal de Hungría, Orquesta Nacional de España, Orquesta de Radio Televisión Española, Orchestre de la Suisse Romande, Nueva Orquesta de Cámara de Moscú, Orquesta de Cámara de Lausanne, American Sinfonietta y Bournemouth Symphony. Ha sido invitado especial de los Festivales de Salzburgo, Schleswig-Holstein, Menuhin, Osaka, Granada, Estambul, Ravinia, Garden State, Hollywood Bowl, Blossom, Wolf Trap y Saratoga.

Junto a su padre y hermanos, formó el Cuarteto de Los Romeros, el más importante conjunto de guitarras clásicas del mundo. Como miembro de Los Romeros, fue invitado a actuar en la Casa Blanca, también ha tocado en el Vaticano ante el Papa Juan Pablo II y, en otra ocasión, actuó especialmente para Su Alteza Real el Príncipe de Gales, su Majestad, el Rey Juan Carlos y la Reina Sofía de España y la Reina Beatriz de Holanda
Dedicado a transmitir su conocimiento de la guitarra, Pepe Romero, tiene varios alumnos que han obtenido primeros premios en concursos internacionales de guitarra. Ha sido catedrático de este instrumento en varias universidades y, en la actualidad, imparte clases magistrales todos los años en la Academia de Verano de Salzburgo y en el Festival de Schleswig-Holstein.

Desde el inicio del Festival de Guitarra de Córdoba, acude con regularidad para ofrecer clases y actuar.
En Enero de 1996, se celebró en Berlín, con gran éxito de público y de crítica, el estreno mundial de la obra para guitarra y orquesta Nocturnos de Andalucía, del compositor cordobés Lorenzo M. Palomo, obra dedicada a Pepe Romero, con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín (Rundfunk Sinfonie Orchester Berlin), bajo la dirección del maestro Frühbeck de Burgos.

Pepe Romero también ha conquistado al publico japonés con ocho visitas a ese país, de la cuales seis han sido en los últimos cuatro años.

Tomado de http://www.hispaniaclasica.com/Artistas/Romero_Pepe_05.htm

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Steven Siro Vai, guitarrista y compositor estadounidense. Vai es conocido principalmente por sus composiciones, actuaciones y producciones de música instrumental de guitarra, pero además ha participado en grabaciones de otros muchos artistas del rock. Es considerado uno de los principales guitarristas eléctricos, y un revolucionario dentro del rock instrumental.

Principios

En su juventud, Vai se interesó en grandes del rock como Jimi Hendrix, Alice Cooper y Led Zeppelin que fomentó su interés en aprender guitarra. Antes de ingresar a la Berklee College of Music, Vai tomó lecciones con el guitarrista en ascenso Joe Satriani y tocó en muchas bandas locales. Durante este tiempo adquiría la influencia de guitarristas como Jeff Beck y el guitarrista de fusión Allan Holdsworth.

Historia

Nacido el 6 de junio de 1960 en Long Island, Nueva York (cumplió seis años el sexto mes de 1966, como así comentó en la introducción de su libro de transcripciones de Frank Zappa).

Steve Vai conquistó el reconocimento general tocando como guitarrista del legendario músico, productor y magnate Frank Zappa.

A principios de los 80 abandonó la banda de Zappa y grabó su primer disco como solista, “Flex-Able”, y reemplazó a Yngwie J. Malmsteen como guitarra solista en Alcatrazz. Entonces se unió al antiguo “front-man” de Van Halen, David Lee Roth para grabar dos álbumes, “Eat them and smile” y “Skyscraper”, además de una versión en español del primero titulada “Sonrisa salvaje”.

Posteriormente tocó para Whitesnake y el mítico cantante David Coverdale en el álbum “Slip of the tongue” y en 1990 grabó su segundo álbum “Passion and Warfare” obteniendo la atención mundial en su carrera como solista. Por estas fechas gana un Grammy por su participación en el disco tributo a Zappa “Zappa’s Universe”, por su solo en “Sofa”, siendo criticado por varios músicos otorgándole el reconocimiento a Mike Keneally, por su participación en ese disco.

También saltó a la pequeña pantalla apareciendo unos cuantos minutos en la película Cross Roads (Cruce de caminos o Encrucijada) donde hizo el papel de un guitarrista llamado Jack Butler que trata de vencer a un joven guitarrista virtuoso enfrentado en un duelo guitarrero frente a Ralph Macchio (famoso por su papel en Karate Kid). Un dato curioso de esta película es que Vai toca realmente tanto su parte como la mayoría de las de Ralph Macchio, incluyendo “Eugene’s Trick Bag” compuesta por el mismo Vai, basándose en el 5 Capricho de Paganini

En 1991 participa junto a Joe Satriani entre otros en el concierto Leyendas de la Guitarra organizado con motivo de la celebración de la Exposición Universal de Sevilla de 1992 (Expo´92).

En 1993 aparece el álbum titulado “Sex & Religion”, con una formación nueva y una dinámica más de banda, dejando de lado el estilo solista. Se trata de un disco mayoritariamente vocal, y en parte polémico por el contenido de sus letras, en las que se refiere al sexo y a la religión.

En el año 1995 Steve graba un álbum titulado “Alien Love Secrets”, del cual, posteriormente presenta una versión en DVD con los videos de las canciones que componen este álbum. El disco se compone de siete temas instrumentales, y fue grabado en 6 semanas.

Al año siguiente (1996) participa en la gira llamada G3 junto a Joe Satriani (el organizador) y Eric Johnson, donde le acompaña Keneally en los teclados y guitarra. Se graba un disco en vivo del mismo nombre. En 1996 también sale a la venta “Fire Garden” un extenso disco de 18 temas, tratándose la primera mitad de temas instrumentales y la segunda incorporando canciones cantadas, y afianzándose Steve en su faceta de cantante.

Llegando a mitad del año 1999, aparece el disco “The Ultra Zone”, en gran parte instrumental, con cinco temas cantados. Se trata de un disco compuesto de trece temas bastante variados.

En el año 2000 año Steve Vai graba su primer disco en vivo, “Alive in an ultra World”, presentando canciones que caracterizan los países que el visitó en la gira de “The Ultra Zone”.

Un segundo disco G3 con el virtuoso de la guitarra Yngwie J. Malmsteen se graba en el 2003.

Más adelante, en el 2004, Steve Vai lanza su segundo disco en vivo, “Live In Astoria: London”, donde selecciona grabaciones de sus actuaciones en el Astoria en Londres, recopilándolas en este disco. Realizó una vez más con Joe Satriani, una gira convirtiéndose en G4, teniendo en esta oportunidad como invitados al legendario Robert Fripp.

Su último álbum editado en 2005 se titula “Real Illusions: Reflections” y para presentarlo realizó una gira mundial con músicos de gran categoría, como Tony Macalpine (guitarra y teclados), Billy Sheehan (bajo), Jeremy Colson (batería y percusión) y Dave Weiner (guitarra eléctrica y acústica), en ese mismo año participa en un nuevo G3 al lado de Satriani y John Petrucci.

En 2006 Steve participa en un tour homenaje a Frank Zappa, organizado por el hijo de este último, Dweezil.

Vai junto a la marca de guitarras Ibanez crea en 1986 la serie JEM, diseñando también la primera guitarra de siete cuerdas llamada Ibanez Universe UV77MC. También junto a Ibanez se desarrollaron las primeras y únicas guitarras de tres mástiles, denominadas JEM Tripleneck. La utilización en vivo de este tipo de guitarras (en el G3 del 2003) marca la pauta del nivel que ha alcanzado Steve. En el 2000 junto a Carvin crea según sus especificaciones su propia serie de amplificadores llamada Legacy.

Tomado De http://es.wikipedia.org/wiki/Steve_Vai

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Biografía

Manuel Barrueco está reconocido internacionalmente como uno de los guitarristas más importantes de nuestros tiempos. Su maestría, de un estilo muy propio, es frecuentemente calificada como la de un gran instrumentista y músico superior y elegante, con un sonido seductor y un lirismo fuera de lo común.
Barrueco ha dedicado su carrera a llevar la guitarra a los centros musicales más importantes del mundo. Durante tres décadas de conciertos, en los Estados Unidos ha actuado de un extremo al otro del país. Desde Miami con la New World Symphony hasta la Sinfónica de Seattle, y desde el Hollywood Bowl con la Filarmónica de Los Ángeles, hasta las salas más importantes de Nueva York. Ha sido solista con grandes orquestas como la Orquesta de Filadelfia y la Sinfónica de Boston con la que, bajo la dirección de Seiji Ozawa, hizo el estreno americano de To the Edge of Dream (Al Filo del Sueño) del gran compositor japonés Toru Takemitsu. Además, es invitado habitual de la Orquesta Sinfónica de Baltimore y San Francisco Performances.

Sus giras internacionales lo han llevado a las salas más prestigiosas del mundo como Royal Albert Hall de Londres, Musikverein de Viena, Concertgebouw de Ámsterdam, Philharmonie de Berlín, Teatro Real de Madrid, y el Palau de la Música de Barcelona. En Asia ha realizado una decena de giras por Japón, mas otras actuaciones en Corea del Sur, Taiwán, Singapur y Hong Kong. En Latinoamérica ha actuado en Méjico, Brasil, Colombia, Costa Rica y Puerto Rico. Ha sido solista con orquestas como la Sinfónica del Estado Ruso, la Filarmónica de Helsinki, Filarmónica Real de Londres, Orquesta NHK de Japón, la Filarmónica de Nuevo Japón, la Sinfónica de Auckland de Nueva Zelanda, y las orquestas de la radio de Munich y Frankfurt.

Manuel Barrueco ha realizado más de una docena de grabaciones para EMI. Su grabación del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo, con Plácido Domingo como director y la Orquesta Philharmonia, fue elegida por Classic CD Magazine como la mejor grabación realizada de dicha pieza, y su disco “¡Cuba!”, ha sido calificado como “una proeza musical extraordinaria” por el San Francisco Chronicle. “Nylon & Steel” es una selección de dúos con otros grandes de la guitarra como Al Di Meola, Steve Morse (Deep Purple) y Andy Summers (The Police), con los que demuestra su excelente creatividad y versatilidad musical. “Concierto Barroco”, su último disco con Víctor Pablo Pérez y la Orquesta Sinfónica de Galicia, recibió una nominación a los Latin Grammys como la Mejor Grabación Clásica. Este disco contiene estrenos mundiales de nuevos conciertos para guitarra y orquesta de Roberto Sierra y Arvo Pärt, así como dos conciertos de Antonio Vivaldi. El resto de sus grabaciones incluyen repertorio español y latinoamericano, Bach y Mozart, Keith Jarrett y Chick Corea, etc… Colaboró con la soprano Barbara Hendricks y el flautista Emmanuel Pahud en “Cantos y Danzas”, con The King’s Singers en un disco con música de Strauss, y con la Sinfónica de Londres en el disco “Manuel Barrueco plays Lennon & McCartney”. Sus primeras grabaciones para la casa Vox se han convertido en un clásico entre las grabaciones de guitarra.

Su interés por la música contemporánea y su dedicación a contribuir a la ampliación del repertorio para guitarra, lo ha llevado a colaborar con compositores tan prestigiosos como Steven Stucky, Michael Daugherty, Roberto Sierra, Arvo Pärt y Toru Takemitsu, cuya última obra orquestal Spectral Canticle (Cántico Espectral) es un doble concierto escrito para Manuel Barrueco y el violinista Frank Peter Zimmermann.

En la televisión norteamericana ha aparecido en programas como “CBS Sunday Morning”, A&E “Breakfast with the Arts” y “Mister Rogers’ Neighborhood.” El documental biográfico “Manuel Barrueco: Un Don y Una Vida” (Manuel Barrueco: A Gift and a Life) ha sido emitido por varias estaciones de la televisión publica (PBS) del país, incluyendo el WNET-TV en Nueva York. Asimismo, ha protagonizado un anuncio publicitario del automóvil Lexus. En otras partes del mundo, sus conciertos han sido retransmitidos por diferentes cadenas de televisión como NHK TV de Japón, Bayerischer Rundfunk TV de Alemania y RTVE de España.

Entre sus próximos proyectos se encuentra el estreno de Danzas Concertantes del compositor Roberto Sierra con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, y un nuevo quinteto de Gabriela Lena Frank el cual Barrueco llevará en gira con el Cuarteto Latinoamericano. También actuará como solista con la Orquesta Nacional de España, con la Orquesta de Cámara St. Paul, con las orquestas sinfónicas de New Jersey y Utah, y ofrecerá recitales en Liechtenstein, Islandia, San Francisco y Seattle. También participará en los Festivales de Guitarra de Koblenz y Córdoba, en Alemania y España, respectivamente.

Próximamente serán editados dos nuevos discos, ambos con música de Astor Piazzolla, “Solo Piazzolla” y “Tango Sensations”, éste último en colaboración con el Cuarteto Latinoamericano. Estas grabaciones saldrán como parte de la Colección Manuel Barrueco, bajo el sello discográfico Tonar, específicamente creado para lanzar las grabaciones de Barrueco.

Manuel Barrueco comenzó a tocar la guitarra a la edad de ocho años, asistiendo a clases en el Conservatorio Esteban Salas de su ciudad natal, Santiago de Cuba. En 1967 emigró con su familia a Estados Unidos como refugiados políticos y completó sus estudios superiores en el Conservatorio Peabody de la ciudad de Baltimore. Es en ese mismo conservatorio donde en la actualidad es profesor y comparte sus experiencias y conocimientos con un pequeño numero de jóvenes talentos guitarristas llegados de todas partes del mundo.

Tomado de http://www.barrueco.com/pages/espanol/

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