Frases
Recopilación de Pablo Muñoz

Para ser un buen guitarrista no solo hay que saber tocar, también hay que saber escuchar, no solo lo que tocan otros guitarristas, tambien lo que dicen (aunque no necesariamente tiene que ser un músico quien nos de un consejo). Esta sección que pretendo actualizar periodicamente (siempre con la ayuda de ustedes) esta pensada para nuestra “higiene mental”, porque no olvidemos que antes de ser guitarristas somos personas.

“Pasarse el tiempo tocando escalas con rapidez es bastante fácil. Es mucho más difícil bajar la velocidad y simplemente sostener una nota” (Ritchie Blackmore)

“Hay gente que toca para ser admirada y les encanta sentirse ídolos de otros. También hay músicos cuya música conmueve auténticamente a través de los siglos, el contenido es tal que pasan desapercibidos los aspectos técnicos. Es la diferencia entre un guitar hero y un gran músico, entre un producto de marketing y una obra de arte” (Chema Vílchez)

“Siempre hay que tratar de ser el mejor, pero nunca creerse el mejor” (Juan Manuel Fangio)

“Algo que recomiendo para mejorar rápidamente tu musicalidad, es aprender ideas cortas, 5 o 6 notas, luego una frase, parte de un solo, patrones melódicos y rítmicos, enlazar esas mismas ideas, desarrollándolas lentamente primero y acrecentando cada día más ese vocabulario, tarde o temprano comienzas a crear tus propias ideas. Es como aprender otro idioma.” (Scott Henderson)

“Si quieres escuchar una orquesta al mango empujando tu música, mejor que aprendas a escribir para ella” (Steve Vai)

“No tenés que ser un virtuoso para ser un gran guitarrista. Kurt Cobain era un gran guitarrista, sus melodías eran geniales” (Steve Vai)

“Tipos que salen de los institutos hay a patadas. Por eso es que a veces veo un guitarrista virtuoso y lo admiro por su constancia, pero lo que a mí me interesa es decir cosas con la guitarra” (Pappo)

“Para mí, una partitura es chino básico. Yo amo mi oído y le hago caso a mi corazón.” (David Lebón)

“Lo más importante es tocar con tu oído, porque si suena bien está bien. Claro que lo que para algunas personas suena bien para otras no, pero no creo que exista un atajo para eso. Tenés que aprender a escuchar. Tenés que grabarte y escuchar, ¿toqué bien ese vibrato?, ¿toqué ese ligado claramente? ¿estiré bien la cuerda? Y con el tiempo te guardás lo que hiciste bien y desechás lo que hiciste mal. De esa forma te vas convirtiendo en un mejor músico.” (Yngwie Malmsteen)

“Para tocar rápido tenés que poder tocar claro como el cristal; de otra forma ni te preocupes en tocar rápido. Básicamente eso es lo que yo pienso.” (Yngwie Malmsteen)

“Cuando voy a un concierto siempre estoy nervioso; entonces cuando lo empiezo estoy a punto de cancelarlo; pero cuando lo termino, me gustaría empezarlo de nuevo” (Andrés Segovia)

”Que toques el bajo no significa que no tengas presencia” (Jimmy Page)

“Cuando cogas tu guitarra y no te salga nada, descuelgatela, y crea tu música de cabeza, que es el lugar idóneo para ello” (David de Perosanz)

“Cuando toques haz lo siempre como si estuvieras en directo, si se rompe una cuerda sigue tocando, si se rompe la correa sigue tocando, si se… en fin, todo sea por que si te pasa en directo salgas bien del embrollo” (Jordi Matas)

“Hay muchas bandas ahora que no se dan cuenta que son la tercera generación de la forma de tocar de “Mustaine-Hetfield”. Porque James y yo creamos todo un nuevo estilo y hay mucha gente que esta influenciada por una banda que a su ves esta influenciada por lo que nosotros hicimos. Yo escucho esto y pienso “¡Vos pequeña mierda! ” Y “¡Dios me estoy volviendo viejo!”… pero es muy gratificante ver a todos estos chicos haciendo “palm-muting” y todas esas cosas… (Dave Mustaine)

Cuando uno piensa que sabe, mas adelante se da cuenta que no sabia nada. (Martin Rodriguez)

“No te conformes con querer ser guitarrista, anhela ser un músico” (Pablo Campos)

Hacer solos es descodificar algo que hay en tu cabeza. Toca un acorde, coge los residuos que se formen en tu cabeza, las frases que te sugiera su sonido y sácalo en la guitarra nota por nota. Ese es un buen camino (Israel Sanjurjo)

“Ser autocrítico pero no autodestructivo. Confiar plenamente en tus posibilidades. Regocijarte en los pequeños éxitos más que en los fracasos. Si tratas de tocar rápido antes de tener la práctica necesaria, simplemente estarás reforzando el mal hábito de la ejecución confusa donde las notas pierden su sentido. Es imprescindible plasmar en el pentagrama o en un grabador tus propias ideas, por simples que sean.
Pero por sobre todas las cosas tocar mucho.” (La Vía Rock)

“Desea poco, espera menos y procura tener siempre bien afinada la guitarra”. (Yosi)

“Hace mucho tiempo alguien dijo que -en el mundo todo lo que pasa, la vida misma, es llevado a morir a un libro-. A mí me gustaría decir que todo en este mundo, la vida misma, es llevado a morir a una canción” (Yosi)

“Los músicos sólo se preocupan de la música; los músicos profesionales tienen que preocuparse de cuestiones comerciales. Si nuestro objetivo es ser músico, tal vez lo mejor sería no hacerse músico profesional. Si lo que queremos es servir a la música, esto es parte del precio que tenemos que pagar por ese privilegio.” (Robert Fripp)

“No es buen músico aquel que simplemente se concreta a tocar bien, es mejor aun aquel que aprende a compartir con otros lo que sabe” (Israel “Liras” Noriega)

” No es culto en música aquel quien distingue todas las notas sino aquel quien sabe apreciarlas y darles su significado” (Josep Oriol López Bosch)

“La gente cuando grita en un concierto, no te aclama a ti, sino a las canciones, las canciones no son como las películas que las ves 2 o 3 veces. Una canción la escuchas 40, 50, o 60 veces si te gusta y luego entra a formar parte de tu vida. Esa vida es la que gritan las personas en el concierto” (The Edge, guitarra de U2)

“Cuando empiezas te admiran y te sientes instrumentista (baterista, guitarrista, bajista…) y cuando avanzas te llaman Músico, justo cuando eres consciente de lo poco que sabes y de lo grande que es la música. Como en la vida, para llegar a ser un buen músico lo primero es la humildad, es sana y a la vez te hace superarte” (Carlos de Miguel)

“Es cierto que para tocar la guitarra hay que calentar las manos, pero no es un deporte”. (Joe Satriani)

“Una canción no es canción hasta que la canta el pueblo” (Yosi)

“Es admirable ver tocar las mismas canciones a una persona todo el tiempo, es más admirable alguien que se esfuerza por tocar mejor todo el tiempo.” (Hecko)

Frase de Steve Vai cuando le preguntaron en un reportaje que diferencia había entre una guitarra y una mujer, él contestó:
“La guitarra habla solamente cuando yo quiero”

“equivocarse es ir de error en error sin perder el animo” (anónimo)

“La música es un fenómeno acústico para los prosaicos; un problema técnico de melodía, armonía y ritmo para los profesionales; una expresión del alma que nos puede elevar al infinito y que encierra todos los sentimientos humanos, para los que verdaderamente la aman de todo corazón.” (Kurt Pahlen)

“La vida y el arte no son dos cosas muy diferentes” (Felix Mendelssohn)

“El éxito no da ni quita la razón a las cosas”. (Antonio Cánovas del Castillo)

“La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor”. (Kurt Cobain)

“Soy optimista con respecto al futuro del Rock. Los jóvenes músicos emergerán de nuevo, pero con un nivel de buena composición, con profundidad e intelecto. La composición regresará al nivel de la música clásica o él
jazz” (Jimmy Page)

“Algunas audiencias no se pueden pasar la noche sacudiendo la cabeza con nuestra música, la sutileza es un arte que debes dominar si quieres ser recordado” (Robert Plant)

“Mi teoría es practicar dos horas cada día. No verás los avances inmediatamente, pero cuando te compares a ti mismo donde estabas un año atrás, puedes quedar sorprendido… Podrás ver que estás constantemente progresando” (Michael Schenker)

“El arte es sobre todo un estado del alma”
(B.B. King)

“Tocar en compañía de alguien ayuda a tu ejecución un montón más, que simplemente tocar tu solo en una habitación” (Kirk Hammett)

“Un hombre no llega a conocer el flamenco ni en toda su vida” (Agustín Castellón Sabicas)

“Algunas personas nunca aprenderán nada por la sencilla razón de que lo entienden todo demasiado pronto” (Alexander Pope)

“Si tanto me alaban, será por alabarse a sí mismos, pues al alabarme dan a entender que me comprenden” (Aristóteles)

“La conclusión final es que sabemos muy poco y, sin embargo, es asombroso lo mucho que conocemos. Y más asombroso todavía que un conocimiento tan pequeño nos pueda dar tanto poder” (Bertrand Russell)

“Quien se enfada por las críticas, reconoce que las tenía merecidas” (Cayo Cornelio Tácito)

“El auténtico conocimiento es conocer la extensión de la propia ignorancia” (Confucio)

“La experiencia es esa cosa maravillosa que te permite reconocer un error cuando vuelves a cometerlo” (James Jones)

“Los artistas que dicen que practican ocho horas diarias son unos mentirosos o unos asnos” (Andres Segovia)

“La imaginación es más importante que el saber” (Albert Einstein)

“Saberse genio es síntoma de idiocia” (Amando de Miguel)

“para ser un buen guitarrista sólo debes practicar y practicar y tener amor a la música ya que no todos pueden hacerlo”
(Antonio Barahona)

“dile a un sabio en que se equivoca y te lo agradecerá toda la vida díselo a un necio y te odiara toda la vida” (Luis Zarate)

“La composición depende del estado de ánimo del corazón, una melodía puede decir mucho mas que mil palabras. Pero no hay que olvidarse que es necesario siempre saber escuchar una melodía para poder transportarse a estados de ánimo desconocidos y totalmente nuevos. De esa manera uno logra meterse dentro de la música y gozarla en un 100%” (El alumno de Jason)

“La guitarra es un toro con seis cuerdas” (Garcia Lorca)

“Experimenta con todo tus recursos, toca desde el alma, no te desanimes y recuerda si la melodía no suena bien muévete un semitono menos o más y estarás mas cerca de la exactitud” (Nicolás “Satan”J. Kowalski)

“En el desierto no hay reglas, en la música tampoco” (NJK)

“No me interesa ser el mejor guitarrista del mundo, solo quiero rockear y decirle al mundo lo que siento por medio de mi guitarra” (Martin Mosquera)

“Tocar música inspirada en otros músicos, no es tocar tu música, es solo expresar lo que te gusta” (Anónimo)

“cuando rompí mi guitarra fue como un sacrificio, porque uno sacrifica lo que más ama” (Jimi Hendrix)

“No intentar algo por miedo a equivocarse es como suicidarse por miedo a morir.”
(Anónimo)

“El poder de la creación esta en todos, la creación es expresión, es
sentimiento, solo tienes que encontrar la forma de hacerlo, y hacerlo lo mejor posible”
(KabZ)

“No existe ningún genio sin un toque de demencia” (Anónimo)

“A veces siento como si la gente quisiera que me muriera para que así se cumpliera la clásica historia del rock” (Kurt Cobain)

“No hay nada peor que la fama, que miles de gentes hablen de ti como si fueras una puta”
(Kurt Cobain)

“el rock es algo adolescente”
(Kurt Cobain)

“La música no fue hecha para comprender sino para sentir. Si una música te hace vibrar pues esa música es maravillosa” (Jose Pita)

“- ¿Cuantos guitarristas hacen falta para cambiar una bombilla?
- Cien. Uno para hacerlo y noventa y nueve para decir que ellos podrían hacerlo mejor” (Anónimo)

“No tocamos para demostrar a la gente lo inteligentes que somos, tocar la guitarra consiste en darle algo a la audiencia no en fomentar el propio ego” (Anónimo)

” A medida que comiences a tocar para el grupo y el público comienzas a comunicarte con la gente y a sonar mejor” (Anónimo)

” Ser el número uno es lo mismo que ser el número dieciséis, sólo que hay más gente besándote el culo ” (Kurt Cobain)

“La música es de aquellos que la quieren escuchar y de nadie más.” (Calamaro)

“La guitarra es el traductor más importante que un guitarrista puede tener para hablar con la música.” (Manuel Castro)

“La música es una manifestación superior a toda sabiduría de la filosofía”. (Ludwing Van Beethoven)

“el jazz no es una música sino una manera de tocarla” (Louis Amstromg)

“Pienso seguir rezando y tocando hasta la muerte” (Carlos Santana)

“Furia y energía: de eso se trata el rock & roll” (Mick Jagger)

“Requisitos para ser un buen guitarrista:
usar preservativos y protector solar….” (Steve Vai)

“Hay que aprender las reglas antes de poder romperlas” (John Petrucci)

“El secreto no esta en tocar bien, sino en que la gente que te escucha lo crea” (John Scofield)

“Las letras de las canciones no son mas que tiempo malgastado entre dos buenos solos” (Gibson)

“antes de saber tocar de memoria hay que saber improvisar así si en un recital te olvidas de una parte del punteo podes safar con una improvisación” (Giuliano Cachiotta)

“El hombre es grande cuando está de rodillas” (Albert Einstein)

“Una Guitarra nace en serie pero depende de uno, que ella muera con originalidad” (Alfredo Nicolás Germignani)

“Si querés tocar rápido, que nada te detenga, pero usa
tu técnica para mostrar tu música, nunca uses la música
para mostrar tu técnica” (Anónimo)

“La música nos une a pesar de que la sociedad intente separarnos.
Pero también nos excita. La sensualidad es muy importante: yo quiero que mi guitarra ponga a las personas los pelos de punta” (Carlos Santana)

“El rock es una piscina el jazz es todo un océano” (Carlos Santana)

Pues resulta que una vez el violinista Schuppanzigh se quejó por lo difícil que le resultaba tocar el Nº 7, y Beethoven le contesto: ¨¿Cree que Pienso en sus miserables cuerdas cuando el espíritu me habla?¨ (Beethoven)

“Cuando escuches a tu grupo favorito, no quieras ser como ellos, sino que crea tu propio estilo de música” (Giuliano Cachiotta)

“Deja de tocar la guitarra un día y lo notarás tú.
Deja de tocarla dos días y lo notará tu maestro.
Deja de tocarla tres y empezará a notarlo el público”
(Jimmy Page)

“Nosotros no nacemos de la música, la música nace de nosotros” (Anónimo)

“Tocar una escala rápidamente de arriba para abajo en un solo es como un camino: tiene que llevar a algún lado. Pero desgraciadamente, hay quien se pasa todo el tiempo en la carretera sin saber a donde quiere ir” (Anónimo)

“Cuanto más digas con la música, mejor va a ser, pero no siempre esperes que los demás te oigan, aunque solo te escuches vos mismo trata siempre de arrancarte una lágrima y una sonrisa” (Anónimo)

“Hay dos tipos de guitarristas: los que apantallan y los que conmueven. Decide de qué parte eres.” (Anónimo)

“Para ser un gran músico primero hay que ser un gran melómano, después ser perseverante y luego un demente” (Johann Dasse)

“Los músicos son terriblemente irrazonables. Siempre quieren que uno sea totalmente mudo en el preciso momento que uno desea ser completamente sordo”
(Wilde, Oscar)

“Prefiero ser el peor de los mejores que el mejor de los peores” (Kurt Cobain)

“Tu nunca tendrás mi sonido porque no tienes mis cuerdas” (Dave Mustaine)

“Si vas a tocar algo procura que sea mejor que el silencio” (Marty Friedman)

“Toca para tu propia satisfacción… la recompensa será mucho mayor” (Gibson)

“Tras una actuación muestra tu agradecimiento a la audiencia por escucharte y nunca te disculpes por lo que has hecho. Si has hecho lo que has podido en el momento, no tienes por qué disculparte. Censurar tu propia interpretación ante alguien que te está aplaudiendo no sólo revela tu falta de autoestima, sino que también insulta al que escucha. Es como decirle que si ha disfrutado con tu interpretación es por su mal gusto” (E. C. D.)

“¿Sabes que me hace más feliz que nada?, Dame seis cuerdas y seré feliz.” (B. B. king)

“Te verás como yo pero nunca tocarás como yo” (David Reyes)

“A menudo pienso, después de tocar seis horas seguidas, que la guitarra me quita la libertad… más tarde lo pienso mejor y me doy cuenta de que sólo soy libre cuando toco la guitarra” (anónimo)

“Para tocar la guitarra tan solo hace falta perseverancia y manos fuertes” (Segovia)

“Si quieres ser guitarrista no olvides que la practica logra lo que quieres hacer.” (anónimo)

“Las canciones son la semilla de un grupo, y para encontrar las texturas adecuadas con los instrumentos, el tono en el que debían estar, la forma de desarrollarlas… simplemente nos dejamos llevar por las emociones” (Richie Sambora)

“Nuestro mundo no es mas que seis cuerdas” (Anónimo)

“Nada es constante con excepción de los cambios” (Joey Tempest, Vocalista de Europe)

“Antes quería ser como tu, tocar como tu, sonar como tu; ahora quiero ser yo mismo…” (Carolo)

“La guitarra es como la mujer, cuando crees que la dominas es cuando te demuestra lo contrario” (Paco de Lucia)

“Si no vas a hacer un solo, que sea porque no quieres, no porque no puedes” (Zakk Wyilde)

“No trato de ser mejor que los demás, sino ser el mejor YO posible” (Ronald)

“Tocar guitarra tiene solo dos principios básicos: con una mano escoges la nota que quieras y con la otra la haces sonar” (Steven Garcia Castrillon)

“Quien dice que todo músico tiene su limite, es porque nunca trató de superarse” (Steven Garcia Castrillon)

“Si posees el vibrato de B.B. King, la velocidad de Malmsteen, el tapping de Van Halen y la guitarra de Steve Vai… Felicidades!!!… Eres un gran Imitador… (Anónimo)

“Si tienes dos manos y diez dedos es posible ser un gran guitarrista” (Ronald)

“Mi guitarra termina de decir lo que las palabras no pueden” (Anónimo)

“Yo no canto por cantar ni por tener buena voz canto por que la guitarra tiene sentido y razón” (Victor Jara)

“No es lo que se hace sino como se hace” (Tikior)

“La guitarra es el alma del que la toca. Es la manera más artística de expresar los sentimientos.” (Sofia Stirling)

“No debemos creer en algo sino saber que esta allí y llegaras a estar cerca aunque no debe importarte si llegaste. Y no te dejes influenciar por quien te da ánimos de perderte en medio de la bulla, es mejor silbar para ti (aunque seas un loco en tu propio mundo), a que nadie entienda las estupideces que dices, ssshhhh …” (Juan Carlos Tarazona Pimentel)

“La música dio un nuevo rumbo a la historia, pero no cambies tu historia por querer ser parte de la música, ella será parte de ti”. (Juan Carlos Tarazona Pimentel)

“La vida es el interminable ensayo, de una obra que nunca se estrenara” (Holy)

¨En el cielo, Dios se sienta en el centro, con Jesús a su derecha y Jimi Hendrix a su izquierda¨ (Anónimo)

“El hombre puede vivir sin cualquier cosa hasta sin dinero, pero sin música?… jamás” (Alejita)

“La guitarra es el medio de comunicación más eficiente” (Gastón Briggiler)

“A veces por muy alto que pongas la música solo puedes oírte a ti mismo” (Kurt Cobain)

“La guitarra es una especie de guión de teatro, solo tenés que saber improvisar con tu arte sin tener que hacerlo como esta escrito” (Anónimo)

“La música no es de gente inteligente sino que de gente sensible” (Anónimo)

“Para sonar bien, hay que dejarse llevar por las emociones” (Anónimo)

” No abandones tus ansias de hacer de tu vida algo extraordinario”
(Aurora)

“El blues no nace de una partitura, nace del corazón” (Daniel Rojas)

“No es lo mismo manejar que conducir; así como no es lo mismo tocar como interpretar” (Isopo)

“Cuando me despierto en la mañana y miro al espejo, definitivamente no veo a un dios de la guitarra” (Joe Satriani)

“El sonar mejor, está mayormente en tu cabeza…” (Steve Vai)

“Independientemente del estilo que toques, lo más importante es mantener el sentimiento. Muchos guitarristas pierden el sentimiento en varios puntos – no a lo largo de todo el tono, pero sí en ciertos puntos – y esto les provoca altibajos, que la audiencia puede sentir” (Wes Montgomery)

“realmente no importa con qué equipo estás tocando, tu sonido es tu cerebro y tus dedos” (Eddie Van Halen)

“Sería posible describir todo científicamente, pero no tendría ningún sentido; carecería de significado el que usted describiera a la sinfonía de Beethoven como una variación de la presión de la onda auditiva”. (Albert Einstein)

“La música es el arte de combinar los sonidos del alma llegando al alma de los demás” (Anónimo)

“La música es un nexo entre el hombre y el cosmos” (Pitágoras)

“Si no quema, no es arte” (Steve Vai)

“Los críticos son como los eunucos, saben… pero no pueden”
(Isacc Stern – violinista muy famoso)

“Quien crea una obra, crea un mundo” (Kandinsky)

“Yo soy un guitarrista más, como cualquiera. Y solo eso me convierte en afortunado” (Heavy Lord)

“No es lo mismo hablar de toros que estar en el ruedo” (Proverbio Español)

“La mejor manera de ver tus sueños convertidos en realidad es
despertarte” (Paul Valery)

“I Can’t accept not trying (No puedo aceptar no intentarlo)” (Michael Jordan)

“Siempre va a haber muchas criticas pero cada vez q te caigas levántate de nuevo eso es ser un buen músico, pero siempre hazlo con el corazón” (Anónimo)

“Las estrellas están ahí, solo debes mirarlas” (Kurt Cobain)

“El que escucha música siente que su soledad, de repente, se puebla” (Robert Browning)

“La música es una enfermedad y lo que me hace más feliz, es que no tiene cura ” (Martin Coelho)

“La música es un vicio, y la guitarra la mejor droga” (anónimo)

“La palabra ha sido dada al hombre para ocultar su pensamiento, pero la guitarra ha sido dada al hombre para demostrar sus sentimientos”
(Giancarlo Salirrosas M.)

“Una guitarra en manos de un corazón sensible es capaz de hacerle el amor al alma” (Eugenio Sulpizio)

“El diapasón es un universo indescifrable, por momentos lúcido, pero siempre en tinieblas” (Eugenio Sulpizio)

“El crecimiento de mi respeto hacia la música se debe al crecimiento del respeto hacia mi vida” (Segovia)

“Los espejos sirven para verse la cara, el arte para verse el alma” (S.B)

“La diferencia entre un niño y un músico, es el precio de los juguetes” (Oscar Piñon)

” It´s only Rock´n Roll… but a I like it..” (Mick Jagger)

Una vez que Randy Rhoads le consultaba a Ozzy cómo quería el solo, Ozzy interrumpiendo le dice: “…Just Shut Up and Play (Solo Cállate y Toca)…”

“El sabio habla porque tiene algo que decir; el tonto habla porque tiene que decir algo” (Raphaella)

“El sacrificio es la primera condición de toda grandeza”
(Raphaella)

“Vender tu música es prostituir tu alma” (De los creadores de Napster)

“La música no es cuestión de tiempo, el tiempo no es cuestión de notas, la música es cuestión de saber interpretarla y amarla cuanto tiempo sea necesario” (Anónimo)

“Tan pronto como comenzás a creerte importante, te volvés menos creativo” (Mick Jagger)

“No creo que tenga que ser necesariamente negro, pobre y depresivo para ser un hombre de blues” (Mick Jagger)

“Todo el mundo me considera un héroe de la guitarra, pero jamás desee entrar en la competencia” (Keith Richards)

“Si todo deja de ser divertido, quiero decir, si se acaba la diversión abandono” (Keith Richards)

“La música es una necesidad. Después de la comida, el aire, el agua y la calefacción, la música es la siguiente cosa necesaria en la vida. Simplemente, tocar un tema es un lujo” (Keith Richards)

“La honestidad no es una virtud, es una obligación” (Andrés Calamaro)

“Las partes difíciles hay que hacer que parezcan fáciles y las fáciles hay que hacer que parezcan difíciles” (Chet Atkins)

“Hay tres clases de guitarristas, el guitar owner, el guitar player y el guitarist” (John McLaughling)

“Las escalas son como el abecedario, nadie es poeta por decir a, b, c, d, etc…” (Botafogo)

“Estaria bien dormir con canciones que me gusten, asi trataría de asimilarlas, porque se dice que dormido entra en el subconsciente” (Anónimo)

“La musica es el mejor camino para poder conocerse a uno mismo” (Anónimo)
“La musica es lo único que me salva de la locura” (Anónimo)

“No tengo voz para decir todo, por eso hago que la guitarra me remplace” (Anónimo)

“…queremos ser capaces de hacer con nuestros instrumentos todo lo que podamos imaginar: una voz, una guitarra, un teclado, la idea es expresar, proyectar a traves de tu instrumento lo que quiera que tengas en tu mente…” (Jordan Rudess – Dream Theater)

“Deja que tu sueños se conviertan en relidad, peron nuca dejes que tu realidad se convierta en sueños” (Anonimo)

“La experiencia es un peine que te dan cuando estas pelado” (Ringo Bonavena)

“Si la música no existiera… la vida sería un error” (Anonimo)

“la musica no solo es para musicos, tambien es para inspirados…” (Anónimo)

“Si no fuera físico, sería probablemente músico. Pienso a menudo en música. Vivo mi sueño despierto en música. Veo mi vida en términos de la música… Consigo la mayoría de alegrías con la música” (Albert Einstein)

“Lo imposible esta guardado en corazones de los comodos” (Anónimo)

“Adoro los placeres sencillos; son el último refugio de los hombres complicados” (Sófocles)

“Si avanzo, seguidme, si me detengo, empujadme, si retrocedo matadme” (El Che)

“si ves a alguien tocar ayúdalo” (Anónimo)

“Mi memoria existe,mi recuerdo vivira por siempre
y mi musica en la gloria serà la salvacion
del maldito infierno donde habitamos” (kurt cobain)

“quisiera hacer música tan perfecta que pueda penetrar el cuerpo y curar enfermedades” (Jimi Hendrix)

“Algunos arboles simplemente no quieren ser guitarras” (del creador de las guitarras Jackson)

“la practica hace al maestro” (Anonimo)

“Muchos músicos tenemos dificultades a la hora de explicarnos, porque tocamos más de lo que hablamos” (Anónimo)

“La mùsica es el substituto de aquellas frases que no pueden ser expresadas con vocablos tan limitados como los existentes” (Jorge Arturo Cuevas Velazco)

“El equipo no es importante, yo como bajista tengo 50 wattios en cada dedo” (Anónimo)

“el músico que no tenga un sentimiento o una ideología que trasmitir, está en la profesión equivocada” (Enrique Bunbury)

“En estavida el que no se rinde es un verdadero valiente” (Paul Mccartney)

“Sin la música nos volveríamos locos” (Tchaicovsky)

“Aunque solo existiera una verdad única, no se podrían pintar cien cuadros sobre el mismo tema” (Pablo Ruiz Picasso)

“Caer está permitido. ¡Levantarse es obligatorio!” (Anónimo)

“Ignorante no es el que no sabe…. sino el que no se preocupa por aprender” (Anónimo)

“Vale más fracasar por intentar un triunfo, que dejar de triunfar por temor a un fracaso” (Anónimo)

“No vayas por el camino andado, sólo te conducirá adonde otras personas han ido ya” (Anónimo)

“La música es para el alma lo que la gimanasia para el cuerpo” (Platón)

“Sólo hay una oportunidad para causar una primera impresión” (Anónimo)

“Todo arte es, a la vez, superficie y símbolo” (Oscar Wilde)

“La música no es definida: no es un mundo nuevo, sino un nuevo caos lo que crea en nosotros” (Oscar Wilde).

“La música no es un ranking de quien es el mejor. Por el contrario, creo que es una fiesta donde todos comparten sus emociones a través de sus interpretaciones” (Anónimo)

“Tu vision es la misma que la mia, lo que nos diferencia es la perspectiva” (Anónimo)

“El jarrón da forma al vacío y la música al silencio” (George Braque)

“La guitarra es como una orquesta, distante y misteriosa; su sonido nos llega de un mundo mucho más pequeño y sutil que el nuestro” (A. Segovia).

“Es a veces imposible tratar con ella, pero la mayoría del tiempo ella es muy dulce, y si usted la acaricia correctamente ella cantará bellamente”. (A. Segovia)

“La música no es para Impresionar, sino para conmover” (Pepe Romero)

“Sin la música la vida sería una equivocación” (Friedrich Nietzsche)

“Sólo como fenómeno estético, como objeto de contemplación o reconstrucción artística, la existencia y el mundo parecen justificarse” (Friedrich Nietzsche)

“Una simple nota musical tiene muchos significados; para un físico es una vibración del aire en determinada frecuencia, para un técnico es una señal eléctrica procesada por un aparato, pero para un músico es un pedazo de su vida escapando a través de su instrumento.” (Arturo Vargas)

“Talento sin voluntad es como un coche sin gasolina” (Johon Coltrane)

“No hay nada que no puedas hacer, solo aquello que creas que no se puede hacer” (Jemager Taylor)

“no me gusta que me digan virtuoso, por que le quitan valor a las horas que pase practicando” (Anónimo)

Comprando tu primera guitarra
Por Oscar Colorado

Tomado de http://www.guitarraonline.com.ar/primeraguitarra.htm

Cuando se empieza a tocar la guitarra, siempre se piensa “me compraré una que sea barata”. Esa no es una buena idea, como tampoco lo es el comprar una guitarra demasiado cara. Consíguete una guitarra que sea de precio medio, porque las guitarras demasiado baratas están muy mal construídas y hasta un profesional se vería en aprietos para sonar bien, y una guitarra demasiado cara puede ser una mala inversión si finalmente no tienes la paciencia suficiente para seguir practicando.

REGLA: Cómprate una guitarra de precio medio, y cuando aprendas más, cómprate un buen instrumento.

TIP: Las guitarras Yamaha acústicas (ya sea con cuerdas de nylon o de metal) son una opción de excelente calidad a buen precio.

Cuando vayas a comprar tu guitarra, si realmente no sabes nada, lo mejor es ir acompañado de algún amigo o amiga que ya sepan tocar para que te ayuden a escoger. Tu guitarra debe ser cómoda, fácil de tocar, con una buena sonoridad y siempre es muy importante fijarse en los detalles de la guitarra: acabados, limpieza de la madera, calidad de la pintura. Una guitarra que tiene pequeños detalles defectuosos es evidentemente una mala opción, pues por dentro seguramente estará mal construida. El precio siempre es un indicativo de la calidad: lo que pagas es lo que obtienes.

Gig Maker de Yamaha: Todo lo que necesitas para empezar

Si no tienes un amigo a la mano, puedes conseguirte una guitarra en internet. Una buena manera de comenzar es el Gig Maker de Yamaha que, como puedes apreciar, tiene todo lo que necesitas para empezar a tocar: Guitarra, afinador, púas, equipo de limpieza, un encordador, cuerdas extra, un estuche rígido y hasta un vídeo para comenzar a aprender. El kit cuesta $190.00 USD y puedes comprarlo en

La periodizacion y planificación del entrenamiento del guitarrista
Por Carlos Rubén Gomez basado en un trabajo de Norberto Alarcón

La periodización y planificación del entrenamiento del guitarrista es un capítulo de fundamental importancia en la práctica de la guitarra. Se fundamenta en un sustento Biológico, en uno Pedagógico y un tercero Afectivo-motivacional. El sustento Afectivo-motivacional no es otro que el mismo sujeto predispuesto al esfuerzo para obtener el logro guitarrístico. Su voluntad de querer hacer, y la motivación que el núcleo social en que se desempeña le despierta y mantiene. El sustento pedagógico, se constituye en la persona del profesor que le enseña quien, literalmente, desarrolla y consolida con plenitud al guitarrista.
El sustento biológico, se refiere al ciclo vital del guitarrista (sintéticamente: es un ser vivo que nace, crece, se reproduce y muere), las etapas de la vida que son periodizables para el entrenamiento del guitarrista son las que coinciden con el crecimiento y la reproducción, es decir la juventud y la adultez. Aunque hay excepciones sorprendentes en otras edades, el talento no se debe desestimar nunca.

Periodizar se refiere a considerar en el tiempo etapas cíclicas de entrenamiento, comenzando por el período más grande (el megaciclo) y terminando por el más pequeño (la sesión).

El Megaciclo
El megaciclo es considerado como la más grande unidad de trabajo y de diseño en la Periodización Guitarrística comprende el período de tiempo tan extenso como el necesario para que el guitarrista pase los estadios de iniciación, formación, consolidación y protagonismo guitarrístico. En una palabra no puede abarcar menos de 8 a 10 años. Esta duración es la adecuada para que el sustento biológico produzca las adaptaciones necesarias, así como en lo pedagógico se desarrollen los procesos que valoran la obtención de metas elevadas (agonísticos). La entrenabilidad del guitarrista está dada por el Síndrome General de Adaptación (Seyle), el organismo del ser humano es entrenable porque tiene capacidad de adaptación, es decir el cuerpo es capaz de realizar las modificaciones necesarias (crecimiento muscular y aceleración de la coordinación neuro-muscular) para adaptarse a un estímulo que cambia un estado previo a uno estado mayor exigencia. Siguiendo las leyes de Arnoldt Schultz: estímulos óptimos entrenan provocando un mejoramiento en el guitarrista, estímulos insuficientes no provocan efectos, y estímulos excesivos (obras muy difíciles para la etapa de desarrollo en que se halla el alumno, o períodos muy prolongados que no respetan los períodos de recuperación) provocan fatiga aguda o crónica y eventualmente pueden lesionar al guitarrista.

La adaptación biológica se produce paulatinamente a través de los años en el organismo del guitarrista, estas modificaciones no pueden ser dejadas al azar sino que deben ser planificadas en lo que constituye una megaestructura (megaciclo) teniendo en cuenta que la planificación debe ser simple, sugestiva y sensible (Tudor Bompa), y que la modificación del plan no es indicador de debilidad o ineficacia del profesor, sino, por el contrario, es signo de que es capaz de observar, analizar y solucionar creativamente un inconveniente (N.G. Ozolin).

El megaciclo trazado cumplirá los siguientes objetivos:

Formación y desarrollo del organismo del guitarrista

Aprendizaje de los ejercicios

Aprendizaje de las técnicas

Desarrollo gradual de las cualidades físicas

Desarrollo de la coordinación neurológica y motrices que garanticen un alto grado de desempeño en situaciones de stress.

Educación de las cualidades morales y volitivas

Calificar guitarrísticamente al alumno

Capacitar en conocimientos de higiene y prevención de enfermedades profesionales

Desarrollar la capacidad de control y equilibrio emocional

Orientar a la toma de decisiones en situaciones límites.

Grado de entrenamiento y nivel de talento

Edad de comienzo del entrenamiento.

Entorno social del guitarrista, la convivencia en un ambiente positivo y estimulante, colabora a que la excitabilidad neuropsíquica pre-concierto sea la óptima y evite el nerviosismo extremo o la apatía de salida que suele caracterizar al individuo demasiado aislado en situaciones de tanta responsabilidad.

Por último y en términos de diseños de planes más pequeños de entrenamiento guitarrístico como lo son los macrociclos, mesociclos y microciclos, deberán tenerse en cuenta factores que garantizan o modifican el cumplimiento del plan, desde el rendimiento académico del estudiante, hasta el entorno familiar y social, desde la infraestructura del lugar donde se realiza el estudio guitarrístico hasta los medios de transporte que utiliza para los traslados antes y después de las sesiones de entrenamiento, desde el tipo de relación que mantiene con su profesor y sus compañeros hasta el conocimiento del reglamento interno de la Escuela a la que concurre, y todas las situaciones que se puedan consideran que influyan adversamente sobre el entrenamiento del guitarrista.

El guitarrista es sobre todo un ser humano que se siente más seguro y cómodo en situaciones y lugares conocidos, esto es muy importante pues el sólo hecho de conocer el lugar y las circunstancias donde se está, garantiza y acelera los procesos de adaptación biológica, y permite dosificar con total precisión los ejercicios en forma progresiva, así como calcular los procesos de recuperación adecuados tanto sea en el entrenamiento como en situación de actuación pública.

Continuidad del proceso de entrenamiento del guitarrista

Hay tres aspectos que caracterizan dicha continuidad a saber:

Primero: el proceso del entrenamiento del guitarrista ocurre a lo largo del año y durante muchos años seguidos, lo que determina que las mega estructuras a menudo tomen el nombre de Megaciclo, Ciclos Plurianuales o Pluriciclos.

Segundo: la influencia de cada entrenamiento “ulterior” se materializa en base a huellas del “anterior”, por consiguiente, la relación intrínseca que tiene el carácter dinámico y ondulante de la adaptación biológica, hace que el planeamiento se conciba desde el megaciclo hacia la sesión de entrenamiento y no a la inversa.

Tercero: Los intervalos de descanso y los ciclos de restablecimiento, son interdependientes entre sí y permiten capitalizar los esfuerzos realizados mediante el fenómeno de la recuperación cuya concreción debe ser prevista y formar parte de las megaestructuras.

En síntesis: los cambios positivos operados en el organismo, de carácter fisiológico, bioquímico y morfológico condicionados por el entrenamiento, se expresan en definitiva en la elevación de la capacidad de trabajo del guitarrista. Los intervalos de descanso deben ser preferiblemente frecuentes y cortos, mas que esporádicos y prolongados, pero siempre deben estar formando parte del llamado período de transición (período en el cual el cuerpo del guitarrista se recupera y regenera sus sistemas energéticos).

Estado “en forma” del guitarrista
El estado de “en forma guitarrística” es el estado de predisposición óptima para la consecución de los logros guitarrísticos. Es un fenómeno polifacético caracterizado por los siguientes rasgos: Fisiológicamente el guitarrista es capaz de ejecutar una obra a un nivel funcional tan alto que no es accesible en otros momentos previos del ciclo de entrenamiento. El costo energético se reduce y optimiza, gracias al elevado grado de coordinación. La dinámica adaptativa es más rápida, más perfecta, y la actividad motora en consecuencia más eficaz y más eficiente. La ejecución más eficiente hace que se aceleren los procesos de recuperación y facilitan los mecanismos de restablecimiento. Psicológicamente también se operan cambios significativos, destacándose el mejoramiento de las percepciones especializadas. Aumentan las manifestaciones creadoras del pensamiento. Se incrementa el diapasón de esfuerzos volitivos, soportando más tensión en ellos y por tanto en el nivel de exigencia. La predisposición agonística (el deseo de metas elevadas) y el estado emocional positivo es mayor (aumenta el control y el equilibrio de las emociones). Se considera a este estado “en forma guitarrística” el período en donde el guitarrista dueño de sí ,de su instrumento y de las circunstancias ambientales es capaz de las más audaces intrepideces basado en la seguridad de sus propias fuerzas y posibilidades en pro de la consecución de la mejor interpretación posible.
El macrociclo
Es el ciclo que abarca un tiempo entre 4-6 meses hasta un año, y su característica fundamental como estructura, es que está constituido por tres estadios biológicos y pedagógicos que se corresponden:

En lo Biológico:

1-Adquisición, 2-Mantenimiento y 3-Recuperación

En lo Pedagógico:

1-Preparatorio, 2-Presentación de lo aprendido (En público o en privado) y 3-De transición

Lo Biológico determina la duración de las fases pues los fenómenos de adaptación para elevar las posibilidades funcionales de cada cualidad física son esencialmente una respuesta biológica. Es decir el guitarrista debe hipertrofiar sus músculos para lograr tocar algo que antes no podía ejecutar, por ello no se le puede pedir que en un calendario rígido ejecute tal o cual obra en un tiempo menor al que necesita su organismo.

La fase biológica de adquisición, es decir de “apoderamiento” de la habilidad coincide y corresponde con el período Pedagógico Preparatorio. Cuando el alumno ha superado la meta parcial y logra un objetivo concreto, viene el período de mantenimiento de lo adquirido, por medio de refuerzos que se realizan en el período Pedagógico de Presentación de lo aprendido, tanto sea en audiciones internas como públicas, que ha su vez mantienen el nivel afectivo motivacional vigente y poderoso para seguir adelante. El período biológico de Recuperación se refiere al tiempo de descanso en que el guitarrista realiza la regeneración de sus sistemas energéticos y de los sistemas musculares, etc. corresponde con el período Pedagógico de Transición. El período biológico de recuperación (reposo) es imprescindible pues dependiendo de la magnitud absoluta del esfuerzo realizado tarde o temprano, si no se otorgan al guitarrista los descansos necesarios, los mecanismos y señales de alarma del organismo provocan una detención en el trabajo ( ya sea por enfermedad, por accidente o por apatía) desencadenado entonces que los mismos esfuerzos que determinaron los logros guitarrísticos se conviertan en determinantes del sobreentrenamiento y su consecuencia: la fatiga crónica, el agotamiento y las enfermedades profesionales por sobre-uso.

El Mesociclo
Es una estructura media, varios mesociclos forman un macrociclo, que a su vez se divide en microciclos. La característica fundamental es que al final del mesociclo debe haber un período de descanso. En guitarra yo he adoptado el mesociclo como el período durante el cual un guitarrista estudia una obra completa. El mesociclo es útil en la planificación de las obras de mediana y alta dificultad por ejemplo una suite de Bach o Gaspar Sanz se estudian en un mesociclo. Por lo tanto un mesociclo es de duración variable y puede durar un mes a tres meses. (Habitualmente un mes).

Microciclo
Es la estructura pequeña que oscila entre 3-4 días hasta 10 ó 15 días, tradicionalmente y por organización académica y laboral se le da la duración de una semana, habitualmente en un microciclo se estudia una obra de corta duración, un número de una suite o una parte de una obra más larga.

La sesión
Es la estructura más pequeña y la esencia del trabajo del guitarrista, aún siendo la más pequeña se subdivide en Parte Inicial, Principal y Final o Conclusiva. La parte inicial comprende el planteo de los objetivos generales y particulares que queremos lograr en esa sesión, en esta parte el maestro explica lo que queremos lograr al alumno y si el alumno realiza sesiones en solitario también le conviene tomarse un tiempo para reflexionar sobre lo que quiere lograr en esa sesión. En esta sección también se lleva cabo la movilidad, estiramiento y precalentamiento, normalmente dura entre 10 y 15 minutos.

En la parte principal se lleva a cabo la tarea programada para esa sesión en perfecta concordancia y dependencia con los contenidos de los microciclos, si el microciclo consiste en una semana dedicada a un número de una suite de Gaspar Sanz, hay que respetar esta programación para mantener la coherencia del entrenamiento y no atrasarnos. En esta parte se priorizan los contenidos motrices-coordinativos o también los de desarrollo fisiológicos-orgánicos. Una ves pasada una media hora, independiente de que se haya completado lo programado, se pasa a la fase conclusiva o final, que consiste en reposo activo, con estiramientos y trabajos regenerativos como masajes, etc. durante unos 10 minutos.

Se pueden realizar tres o cuatro sesiones diarias, durante unos cinco días a la semana, tratando de recuperarse en un descanso más prolongado el fin de semana.

http://www.guitarraonline.com.ar/entrenamiento%20del%20guitarrista.htm

Eligiendo Cuerdas
De Musired.com

No todas las cuerdas han sido creadas iguales a los oídos del músico. ¿Por qué nos gustan más unas que otras?, ¿somos los músicos tan maniáticos como creen los dueños de algunas tiendas? ¿exigimos determinado tipo de cuerda o púa para compensar el complejo de inferioridad que nos produce el no poder gastarnos 500.000 pts. en el instrumento de nuestros sueños?

La imagen pública.
Hoy en día se fabrican muchos tipos de cuerdas y si los guitarristas lo tienen difícil para elegir, los bajistas sí que pueden perderse en esta jungla. Los anuncios, la mayor parte de las veces, lejos de orientarte más bien te lían en un torbellino de gráficas y diagramas espectaculares y jerga técnica. Ante esto, el argumento definitivo para nosotros debe ser lo que nos digan nuestras manos y oídos. No son los fabricantes o importadores los que han de decirnos qué debería gustarnos, somos nosotros los que debemos decirles (en metálico, el lenguaje universal) cuándo lo están haciendo bien. La publicidad se hace con objeto de aumentar las ventas, lo que permitiría ajustar los márgenes y abaratar el producto (pero esto no sucede necesariamente así, también puede simplemente aumentar los beneficios). ¿Vale todo con tal de vender? Según a quien, sí o no. Algunas veces encuentras cuerdas fabricadas en México o Asia cuyo embalaje asegura que están fabricadas en USA. Ocasionalmente, alguna compañía atribuye a sus cuerdas propiedades que violan de forma manifiesta las leyes de la física. Para nosotros, más comprometidos con el sonido que con la física de materiales, la prueba del algodón es probar tanto las distintas variedades que fabrican las grandes marcas como las que comercializan los pequeños luthiers bajo su nombre. Dicho ‘a la pata la llana’: “El bar de la esquina nunca venderá tanto como el McDonald’s pero sus hamburguesas pueden ser incluso mejores”.

Viviendo en un mundo material.
¿Por qué los fabricantes discuten tanto sobre el diseño y tan poco sobre los materiales? Quizá sea porque los materiales son un terreno tan objetivo que casi no dejan cancha a la especulación. Nos vamos a encontrar aquí a tres familias principales (naturalmente, hablando de instrumentos eléctricos): cuerdas de acero inoxidable, de níquel y de níquel puro. Aunque cada fabricante usa su propia aleación se puede decir en general que:

Todas las cuerdas arriba mencionadas tienen un núcleo de acero.
Las cuerdas llamadas de níquel tienen un entorchado que, en realidad, es de acero con un baño de níquel.
Las cuerdas de níquel puro sí tienen un entorchado de níquel.
Dado que el níquel no es un material ferromagnético, para un mismo calibre las cuerdas de acero dan mucho más volumen.
Asimismo, las cuerdas de acero tienen un timbre más brillante y, puesto que el acero del que hablamos es acero inoxidable, son también más duraderas.
Por otra parte, las cuerdas con más níquel producen un timbre más cálido y un menor impacto sobre los trastes.

Hace años algún fabricante comercializó cuerdas con un entorchado externo de cobre. Los ‘slappers’ las adoraban, hasta darse cuenta de la corta vida que tenían unos juegos tan caros. El último aporte, en tema de materiales, es el entorchado externo de oro que llega a doblar el tiempo de duración de la cuerda y que produce un timbre característico (Onasis usaría éstas).

Nuclear sí, por supuesto.
Para que una cuerda suene ‘musical’ debe ser capaz de vibrar en una serie de sobretonos exactos y esto no podría lograrse si la cuerda, a partir de un determinado calibre, fuera un solo filamento de cable grueso. Por eso, cualquier cuerda de un calibre superior a un 0’20” y algunas de calibre inferiores se componen de un núcleo y una o varias capas de entorchado (fig.1). Según algunos diseñadores, todas las aleaciones de acero inoxidable suenan más o menos igual; el factor más importante para determinar el timbre sería la relación núcleo-entorchado (core-wrap ratio). Algunos fabricantes trabajan con un núcleo muy fino y un entorchado muy grueso, buscando más brillo y flexibilidad, pero encontrándose también con una disminución del volumen y el ‘sustain’ y la cuerda que se desafina antes. En cualquier caso, una mayor flexibilidad permite que la cuerda ascienda más por la escala de sobretonos y que éstos se ajusten más en alineación, mientras que una mayor rigidez hace que los armónicos vayan desplazándose (desafinándose) hacia los agudos (efecto piano). La relación núcleo-entorchado también afecta al tacto de la cuerda, al que los músicos suelen llamar ‘tensión’ (no confundir con suspense), pero que en realidad se usa la combinación de la flexibilidad y la verdadera tensión (medida en libras, kilos, etc.) requerida para afinar la cuerda. Una cuerda con un núcleo más pesado es más rígida y ofrece más resistencia. Los fabricantes dedican mucho tiempo y esfuerzo buscando un buen tacto en sus productos, no sólo en cada cuerda individual sino en los juegos completos (tensión compensada). Existen dos formas de hacer los núcleos: cable de sección hexagonal (la mayoría) y cable de sección circular (fig.1). El núcleo produce una cuerda más brillante y más estable, ya que el entorchado permanece fijado por las esquinas a lo largo de toda la extensión del núcleo. Las cuerdas de núcleo redondo tienen menos cámara de aire debajo del entorchado (más masa, más volumen) y, en consecuencia, menos espacio donde acumular sudor y suciedad (mayor duración) pero permiten que el entorchado se deslice más fácilmente si no se fija con el debido cuidado. Algunos fabricantes aplanan una sección del núcleo a unos 45cm del extremo libre de la cuerda, esto ancla el entorchado y, al mismo tiempo, hace la cuerda más flexible y brillante. Algunas compañías modifican el entorchado una vez instalada sobre el núcleo (‘Groundwound’ ‘Halfround’ – Fig. 2) para hallar un compromiso entre el tacto de una ‘Flatwound’ y el brillo de una ‘Roundwound’. Las cuerdas ‘compresión-wound’ pasan por rodillos que aplanan el entorchado exterior contra las partes internas de la cuerda. Otra forma de conseguir el mismo efecto, pero sin alterarlas mecánicamente. Los materiales, una vez instalados, se utilizan para el entorchado externo de un cable de sección díptica (oval-shape) con lo que además se logra menor fricción en el traste y menor siseo de la cuerda.

Cruzar el puente, pero mojándose.
En los 70 aparecen por primera vez en el mercado las cuerdas llamadas ‘exposed-core’ cuyo entorchado termina justo antes del puente, de modo que el núcleo desnudo pasa sobre la selleta (mayor flexibilidad y sustain). Tras esto muchas compañías desarrollan una solución intermedia (que remedio, el inventor del ‘exposed-core’ lo había patentado), las cuerdas ‘Taper-wound’ (usualmente mal llamadas ‘Taper-core’) Fig. 3, que tienen una sola capa de entorchado sobre la selleta. A favor: Si la flexibilidad es importante en toda la longitud de la cuerda, es crítica en los llamados puntos testigo (winesspoint) de los cuales uno es móvil (el punto donde se pisa la cuerda) pero el otro es fijo (la selleta). En contra: Una cuerda debería ser uniforme, en relación a la distribución regular de sobretonos, tanto en diámetro como en masa. Si eliminamos masa de un extremo, cuando octavemos el traste 12 estaremos desafinando, en una medida casi imperceptible, el resto de las notas (no importa en vivo, pero sí en estudio).

Marcas y fabricantes.
¿Hacen las pequeñas marcas sus propias cuerdas? No, pero esto no significa que te vendan la misma cuerda que el fabricante hace para su marca principal. Cada marca tiene su propio diseño que el fabricante respeta escrupulosamente. Algunos incluso suministran los materiales y envasan los juegos previo control calidad.

A mano o a máquina.
He aquí el terreno más disputado entre fabricantes. Ninguna cuerda es hecha 100% automáticamente y nadie hace el entorchado alrededor de un núcleo con un par de tenazas. En ambos sistemas el núcleo gira en una especie de torno; en una cuerda ‘hecha a mano’ un trabajador guía manualmente el cable del entorchado sobre el núcleo según este gira, controlando tensión y agudo de entradas; en el proceso automático esta operación lo hace un carro motorizado y los distintos parámetros son controlados y corregidos por un ordenador. Los ‘automatistas’ dicen: “hay un límite para lo que la mano y el ojo pueden hacer”. El más mínimo error arruina una cuerda”. Llevando esta filosofía a su extremo algunos de ellos incluso fabrican las máquinas que usan durante el proceso y las van computerizando a medida que se abarata la microelectrónica. Por otro lado los ‘manualistas’ argumentan: “Las cuerdas comparten la misma naturaleza de los instrumentos, cada cuerda es distinta. Un hombre es un ordenador viviente de mayor potencia que cualquier máquina. A lo largo de un proceso manual cada instante es un control de calidad”. No sacar de todos modos la impresión de que la automatización elimina el control llevado a cabo por personas. Muy por el contrario los controles son repetidos y rigurosos. ¿Puede un ordenador ser más preciso que un operario que lleva 30 años perfeccionando el mismo proceso en la misma máquina?, quien tenga la respuesta que tire la primera semifusa. Personalmente prefiero (a igual relación calidad esto es sonido-duración-flexibilidad-precio) mantener con mi dinero a un operario que amortizar un microchip.

Decisiones.
Después de todo te van a seguir gustando las mismas cuerdas que antes de leer este artículo. Entonces ¿llevas tres páginas dejándote los ojos para nada?, no, por que si por lo que sea dejas de encontrar las que te gustan en las tiendas, puede que esta pequeña guía te ayude a encontrar lo más parecido (o algo que te guste más) con un mínimo de tanteo y correción (gastando menos pelas, vamos). Algunos bajistas que usan cuerdas muy pesadas notan que el brillo de estas se apagan rápidamente. Esto se previene sobretensando la cuerda en el momento de la instalación, aproximadamente un tono y luego volviendo después a la afinación estándar. Este procedimiento es absolutamente inútil para las cuerdas viejas pero prolongará el brillo de las nuevas.

Articulo tomado de http://www.guitarraonline.com.ar/cuerdaselegir.htm

Enfermedades producidas por la ejecución de la Guitarra
Dr. Carlos Ruben Gomez
http://www.guitarraonline.com.ar/enfermedades.htm

La mayoría de los guitarristas desconoce que puede enfermarse por tocar la guitarra. Esta falta de conciencia puede tener graves consecuencias, pues las enfermedades que se producen por lesiones muy pequeñas y acumulativas (enfermedades por sobreuso) pueden perturbar de tal modo la practica del instrumento que el guitarrista puede llegar a abandonar su carrera musical.
Una nueva corriente en la difusión de dichos conceptos está comenzando a gestarse en el mundo del arte. Casos emblemáticos como los de Schumann y Teleman que padecieron enfermedades por sobreuso. Están siendo considerados como un llamado de atención.
No obstante, suele ocurrir que el guitarrista que comienza paulatinamente con pequeños dolores y molestias no le de importancia, mientras no le perturbe en su ejecución. Puede ser que no quiera parar porque tiene que
seguir una gira, por razones profesionales, por conceptos equivocados como por ejemplo que cuando duele es mejor, por desidia, por negación, o quizá también por temor al ridículo o a tener algo malo. Múltiples razones
imposibles de enumerar en su totalidad pueden contribuir a que estas lesiones progresen.

Cuando el guitarrista consulta a un médico, lo más común es que un médico, que desconozca la existencia de estas enfermedades, no sepa qué está pasando, le de reposo, un calmante y basta. Con lo cual no soluciona el problema.

Al final el guitarrista cansado de los médicos puede recurrir a medicinas alternativas (curanderos, etc). Con lo cual la enfermedad continúa. Cuando el guitarrista llega al Medico del Arte (que es una especialidad nueva y que
atiende dichos problemas) tal vez la enfermedad ya sea irreversible. Por eso es tan importante defendernos de dichas contingencias.

¿Que debemos hacer?
Primero saber que dichas enfermedades existen. Ante los primeros síntomas consultar con médicos que sepan atender el problema, que en general, atendido a tiempo puede ser reversible y de poca monta.

¿Cuáles son estas enfermedades?
Se producen en un porcentaje elevadísimo: entre un 50 a 70% de los guitarristas. Las partes del cuerpo más afectadas son los miembros superiores (hombros, brazos, antebrazos, mano y dedos). Las lesiones son producidas por el uso excesivo de las manos, que provoca el roce de los tendones y dichos roces producen lesiones inflamatorias que se van acumulando con el tiempo.(enfermedades por sobreuso).

Síndrome del túnel carpiano
Se afectan los tendones que flexionan los dedos el dolor aparece en la palma de la mano y se “duermen” los dedos pulgar, indice y medio por compresión del nervio mediano. El dolor suele agudizarse de noche y despertar al guitarrista.

Dedo en resorte
Cuando la inflamación del tendón provoca un agrandamiento localizado del mismo, al pasar por la ‘vaina´, más estrecha, salta de golpe como un resorte.

Codo de tenista
Ocurre cuando se altera un músculo (segundo radial) que sirve para fijar la muñeca para que los dedos puedan ejecutar, es frecuente en los tenistas. Aparece un dolor en el codo y en el dorso de la muñeca.

Distonía
Es una contracción brusca, involuntaria, que se produce en determinadas circunstancias: por ejemplo al ejecutar la escala cromática o un arpegio, el dedo se levanta y perturba la ejecución. Es una enfermedad hereditaria que
se desarrolla con la ejecución de la guitarra. Después de varios años de guitarrista.

En una próxima entrega continuaré describiendo otras enfermedades y la manera tratarlas, si ya se han producido o de prevenirlas.

Dr. Carlos Rubén Gómez

50 formas de sonar mejor

Elliot Easton: Cuando estás intentando lograr ciertas partes y sonidos extraordinarios, visualiza el sonido que deseas antes de que intentes crearlo. Nunca agarro mi guitarra hasta que no se exactamente qué es lo que quiero hacer.

Steve Vai: El sonar mejor, está mayormente en tu cabeza. La próxima vez que vayas a tocar, siéntate un momento en silencio y trata de imaginar cómo quieres sonar. No me refiero al seteo del amplificador, ni a cosas técnicas, me estoy refiriendo a la forma en que tus dedos golpean las cuerdas. Mantén esa imagen sonora en tu mente mientras estás tocando. También es muy importante el grabarte y luego escucharte con un oido crítico. De esta forma, serás capaz de moldearte a tu propio gusto.

Jerry Garcia: Mi concepto de un buen tono es un sonido limpio e inequívoco en cada nota. Para mí, eso significa trastes relativamente altos, cuerdas pesadas y una pua fina, así tu toque viene de la mano y no de la pua. Es tan básico como parece.

Dave Cell Block: El tono de la vieja escuela del punk es bruto y sin agregados, así que manténganse lejos de los pedales y aparatos. Consíganse un amplificador Marshall, súbanle el volumen a 10, y conecten una Les Paul. Yo grabo con dos Marshall. Uno está aislado en una cabina para lograr un sonido comprimido, y el otro está ubicado en un vestíbulo para otorgar un reverb natural. En el vestíbulo, colocamos un micrófono detrás del amplificador para capturar el sonido. Entonces, un micrófono es posicionado en el parlante para el ruido seco, y otro micrófono es puesto a 5 inches del frente del amplificador para capturar el ambiente.

Farred Haque: No puedes depender muy seguido de los amplificadores o arreglos para lograr el óptimo tono, así que aprende a depender de tus manos. Pero primero, hay que tener en cuenta que no existe el tono “perfecto”, la guitarra es uno de los varios instrumentos que producen un sinfín de tonos. Un guitarrista expresivo puede utilizar estos tonos para hacer cantar la guitarra. Elige notas a lo largo de los trastes y escucha como cada nota suena en forma única. Entonces toca una nota y varía su tono, tocando más cerca o lejos del puente. Para variar el ataque, intenta tocar más fuerte con tu pua de punta hacia las cuerdas, y más suave con el costado de la pua. Prueba cortando notas y compáralo cuando apagas suavemente una nota. Un vibrato intenso y rápido, logra que las notas duren más.

Wes Montgomery: Independientemente del estilo que toques, lo más importante es mantener el sentimiento. Muchos guitarristas pierden el sentimiento en varios puntos – no a lo largo de todo el tono, pero sí en ciertos puntos – y esto les provoca altibajos, que la audiencia puede sentir.

Sharon Isbin: Una de las maravillosas carácterísticas de los micrófonos valvulares, es su calidez. Los micrófonos valvulares pueden ser usados en guitarras acústicas para capturar la presencia del instrumento, pero no comprometerá al tono con entrecortados altos, lo cual generalmente sucede con micrófonos sólidos.

Dan Erlewine: Algunos de mis tonos favoritos son producidos con una pua gastada. Cuando los bordes de una pua gastada se tornan ásperos, produce un asombrosamente agresivo efecto similar a un arco siendo arrastrado por las cuerdas de un violín. Cuando quiero que mis cuerdas realmente canten, tomo una vieja pua. Este efecto puede ser reproducido lijando una pua hasta lograrlo, pero nada se compara con una pua naturalmente gastada. También puede hacerse un pequeño agujero en el medio de la pua, para que esta no se resbale o gire, o pierda la posición mientras toco.

Dave Navarro: Leyendo un artículo en una revista nunca me ha ayudado a sonar mejor – el tocar me ha ayudado a sonar mejor. Una hora o dos de práctica en mi habitación, ha sido siempre más efectivo y productivo que aprender que tipo de amplificador usa Carlos Santana.

John Connolly: El tono proviene de tres cosas que no puedes comprar en una tienda musical: tu mano derecha, tu mano izquierda y el volumen. Si tu tono carece de entusiasmo, sube el volumen! (tus vecinos lo amarán). En el estudio, toco con dos amplificadores. El amplificador valvular me da la calidez – el cual se complementa perfectamente con algunos efectos digitales.

Jeff Beck: Me gusta mantener las cosas simples, y siempre pareciera que tomo vuelo con un Marshall – conozco sus fortalezas y sus debilidades.

Mike Turner: La principal preocupación de cualquier guitarrista siempre debería de ser la canción. La canción dictará la parte, y la parte dictará el tono, así que presta atención! Luego de eso, lo más importante es tocar en tiempo, tocar en tono y tocar musicalmente. La gente tiende a pasar de largo estas tres cosas simples en la búsqueda del mejor tono. En algún punto de la obsesión por el tono, te conviertes más en un sonidista que en un guitarrista. Estás ahí para tocar la guitarra, así que usa tu oido y hazlo.

David Torn: Si bien es valioso y necesario el atravesar distintas etapas en las que intentas imitar el tono de tu guitarrista favorito, si pasas una gran parte de tu tiempo refinando tu sonido para imitar precisamente a otra persona, es seguro que termines por eliminar tus más personales rasgos. Con el tiempo, esos rasgos borrados podrían haber definido tu personalidad musical. En otras palabras: si está roto – pero piensas que podría ser bueno – no lo arregles! El tono de tu guitarra juega un rol importante con tu música, así que no temas usar tonos agudos, débiles, viciosos, dulces y lúgubres, si encajan con la música. Toca con el corazón y utiliza cualquier onda cerebral disponible como soporte.

Leni Stern: Primero, encuentra una guitarra a la que ames. Una que suena grandiosamente con o sin amplificador, y que te de ganas de tocar por siempre. Segundo, aprende una de las sonatas para violín de J. S. Bach y tócala – permite que las notas se superpongan y encuentra esa forma de tocar que hace posible el producir un continuo flujo de sonido. Finalmente, comienza tu día tocando una nota y haciendo un sustain lo más largo posible. Usa vibrato hasta que comiences a oir un sonido que es sólo tuyo.

Craig Chaquico: Utiliza la parte redondeada de la pua, en lugar de la parte puntiaguda. En otras palabras, utiliza tu pua al revés. Con esto lograrás obtener un tono más grave para los solos. La técnica funciona mejor con puas duras y cuerdas pesadas. Experimenta los distintos sonidos que puedes obtener utilizando distintos puntos de tu pua.

Pete Townshend: Mi sonido tiene que ver con un sinfín de cosas que he desarrollado durante un largo período de tiempo. La forma en que agarro la guitarra, por ejemplo, y el hecho de que el cuello está siempre moviéndose por lo que realmente nunca está en tono. Además, uso cuerdas realmente pesadas por lo que realmente debo de luchar con la guitarra.

Susan Tedeschi: Utiliza amplificadores viejos, para obtener un sonido cálido y un tono grave. Conéctate diréctamente al amplificador, nada de “cajas” locas. Toca con tus dedos y una pua. Puedes bajar el sonido de un solo tocando con tus dedos y después tocar alto y locamente con una pua. Y siempre toca con tu estilo. Las personas que intentan copias a otros guitarristas tan sólo terminan sonando estúpidos.

Brian Henneman: El mejor consejo que puedo ofrecer para lograr un mejor tono es utilizar un amplificador Fender Pro Jr. Tiene sólamente dos perillas – volumen y tono – y suena grandioso a cualquier nivel.

Eddie Van Halen: Demasiadas personas piensan que el sonido de una persona tiene que ver con sus equipos. Pero realmente no importa con qué estás tocando – tu sonido es tu cerebro y tus dedos.

Gary Brawer: Las dos causas principales de problemas de tono son no poner las nuevas cuerdas correctamente y un nut mal puesto. El primer problema es obvio de corregir. El segundo problema se soluciona teniendo el nut chequeado y colocado de acuerdo al ángulo y diámetro para cada cuerda. Pero una cosa que puedes hacer y que elimina un montón de problemas de tono es simplemente sacar las cuerdas del nut y colocar un lápiz en cada abertura y girarlo. La fina capa de grafito que esto crea, actúa como un lubricante que evita que las cuerdas se corrompan.

Eric Johnson: Para el mejor tono del amplificador en escenarios, conecta tu amplificador a tu propia salida AC. Conectarlo a una fuente de electridad común junto con los de los otros miembros de la banda será destructivo incluso para lo armónico del sonido de tu amplificador, especialmente si equipos computalizados comparten también la misma salida. Por razones de seguridad, sin embargo, es aún mejor mantenerse en el mismo circuito que los otros músicos.

Billy Siegel: El tono es algo muy subjetivo, pero si existiese alguna recomendación para los guitarristas, es que suban el volumen – especialmente cuando usas amplificadores valvulares! Hoy en día, algunos guitarristas parecen tenerle miedo a subir el volumen de sus amps, pero hay una tremenda cantidad de respuesta tonal que viene de un amplificador exigido. Un amplificador fuerte te permite usar el volumen y tono de tu guitarra para ir desde un sonido limpio a uno medianamente distorcionado a uno totalmente distorcionado, y a cualquier lado en el medio de esto.

Chet Atkins: Cada uno tiene su propio sonido, y si te escuchan lo sufiente, la gente llegará a reconocerlo. El estilo, sin embargo, es una cosa diferente. Intenta expresar tus propias ideas. Es mucho más difícil de hacer, pero las recompensas están ahí si eres lo suficientemente bueno como para sacarlo a relucir.

Brent Rowan: Aparte del toque de cada guitarrista, la mayor diferencia de sonido de guitarrista a guitarrista puede estar dada por los cables que usan. El ancho, conección, tipo, largo y dirección del cable tiene más impacto sobre tu sonido del que probablemente piensas – y cuando todo esto se suma la diferencia puede ser asombrosa. Por ejemplo, los conectores de cobre o niquel pueden sonar fríos o cálidos, el ancho del cable puede afectar la capacidad (y como consecuencia afecta los bajos, medios y altos), y la dirección del cable puede permitir que la señal fluya naturalmente o restringuirla en alguna forma.

Muddy Waters: No soy el mejor guitarrista que camina por las calles, pero el sentimiento que le pongo a mi guitarra – muchos guitarristas no pueden lograr eso.

James Maddock: Cuando estás tocando una guitarra acústica en vivo, si atacas a la guitarra muy fuerte, el tono sonará ahogado. Puede ser que pienses que estás haciendo sonar la guitarra con la misma intensidad que, por ejemplo la batería, pero eso es totalmente imposible. Así que intenta mantener tu rasgueo uniforme, relajado, y no demasiado agresivo – deja que la emoción provenga de otra parte.

Sal Trentino: Dale a tu amplificador mucha ventilación. Una manera de lograr este proceso grandioso, es comprar una pequeño ventilador de mesa en una tienda de segunda mano, y colocarlo detrás del amplificador, ventilándolo. Cuanto más fresco funcione tu amplificador, más tiempo durará. Tus capacitores especialmente, te amarán si los mantienes frescos. Y nunca coloques tu amplificador contra una pared – esto limita severamente la ventilación natural del amplificador.

Andrés Segovia: Cuando empecé a tocar con mis uñas, no era por una cuestión de volumen. Lo más importante era darle a la guitarra diferentes colores en las distintas voces.

Eric Clapton: Siempre quise lograr el sonido de Muddy Waters en sus primeros discos – pero más alto.

Steve Howe: No parece correcto decir, que tan sólo me senté y toqué la guitarra cuando era joven, pero eso es basicamente lo que hice. Si sentía que algo me iba a ayudar, como por ejemplo aprender cosas de los discos, entonces me sentaba y lo hacía. Pero a pesar de que uno puede aprender mucho en casa, el progreso viene mucho más rápido si te sientas en una sala con otras personas y comienzas a tocar.

Joyce Cooling: Cuando tocas un solo, puedes hacerlo blusero para encajar con los cambios de acordes, o puedes tocar a lo largo de los cambios – en el sentido de que puedes acentuar cada cambio. Es la diferencia entre tocar verticalmente u horizontalmente. Siempre quieres tocar horizontalmente, en el sentido de que quieres ser melódico, pero tu melodía puede ser determinada verticalmente por cada acorde que tocas – y eso se aproximaría más a un jazz.

Mike Viola: Si quieres un poco de extra de tono, daja a un lado tu pua y utiliza un clip. Yo dejé mi pua años atrás en favor de un clip de papel 0.38.

Harvey Citron: Cuando ajustes la altura de los micrófonos en una stratocaster, la mayor presencia ocurre cuando el micrófono está tan cerca de las cuerdas como es posible. Sin embargo, la atracción magnética de los micrófonos fender es tan grande, que puede inhibir la vibración – causando una pobre entonación y sustain – si los micrófonos están demasiado cerca de las cuerdas. Es un acto de balance. Con esto en mente, setea el micrófono lo más cerca de las cuerdas como quieras. Luego, ajusta el micrófono del medio para igualar la salida de volumen del micrófono del puente, y repite el mismo proceso con el micrófono del mango.

Guitarras Acústicas:
Las modernas guitarras acústicas son de dos tipos: con cuerdas de nylon y con cuerdas de acero. Aunque en general las cuerdas de nylon se usan para flamenco y música clásica, y las de acero son más corrientes en folk, blues, jazz y rock, no hay reglas estrictas. Es imposible decir que determinado tipo de guitarra debe usarse para un cierto tipo de música. Además, de cada modelo existen incontables variaciones de diseño, forma, sonido y utilización. Y sin embargo, la idea básica de la guitarra acústica ha permanecido más o menos inalterada durante más de un siglo. La guitarra de cuerdas de acero es un descendiente directo de la guitarra «española» o «clásica», una obra maestra de diseño, tanto en términos de acústica como de artesanía. Todos los fabricantes modernos de guitarras están en deuda con Antonio de Torres Jurado, cuyos diseños del siglo pasado siguen utilizándose para los instrumentos clásicos. El principal desarrollo de la quitarra acústica de cuerdas de acero ha sido obra de los fabricantes americanos, y en especial de las compañías Gibson y Martin.

Con cuerdas de Nylon:

Clásicas: La guitarra clásica es la antecesora de todas las guitarras actuales. Las guitarrasclásicas se siguenconstruyendo casi exactamente a la manera de Torres, la figura más importante en la historia del diseño y construcción de guitarras. Es la guitarra ideal para empezar a tocar.

Flamencas: Su construcción se basa en el diseño de la guitarra clásica, conmodificacciones para adaptarla a los requisitos del flamenco: la guitarra de flamenco suele ser un poco más pequeña que la clásica, y los aros y el fondo son de ciprés español para producir un sonido más brillante y penetrante, con mayor volumen.

Con cuerdas de Acero:

Martin: Toda la historia de las guitarras acústicas están ligadas al nombre de ChristianFrederick Martin, fundador de la compañía que lleva su apellido, compañía que ha hecho y sigue haciendo guitarras de calidad excelente. La casa Martin fabrica gran variedad de guitarras acústicas que clasifica según un sistema bastante complejo.

De tapa arqueada: Tradicionalmente, la tapa y el fondo de una guitarra arqueada se hacen tallando piezas de madera bastante gruesas y sólidas, una técnica que permite un mayor arqueamiento. El modelo de la foto es una Gibson L-5 de 1946 y fue la primera guitarra con agujeros en forma de “f”.

Guitarras Eléctricas:
También la guitarra eléctrica, como la acústica de cuerdas de acero, tuvo su origen en Estados Unidos El rasgo distintivo de todas las guitarras eléctricas es la pastilla, una unidad fonocaptora que convierte el sonido del instrumento o la vibración de las cuerdas en una señal eléctrica. Esta señal pasa a un amplificador, y se vuelve a transformar en sonido en un altavoz. Los nombres clave en la evolución de la moderna guitarra eléctrica de caja maciza son Lloyd Loar, Adolph Rickenbacker, Leo Fender y Les Paul. Gran parte del trabajo experimental se realizó en las compañías Fender y Gibson, que siguen dominando el mercado. En los últimos años los japoneses y otros fabricantes orientales han inundado el mercado eón guitarras económicas que dan excelentes resultados. Las mejores de ellas ofrecen una combinación de calidad y bajo precio que ha hecho conmoverse a toda la industria. Lo cierto es que la gran variedad de modelos existentes, desde los primeros modelos americanos hasta las más recientes guitarras-sintetizadores Roland, puede desconcertar al principiante que trate de elegir una guitarra eléctrica.

Fender:

Stratocaster: Es apropiada para casi todo tipo de repertorios. Es el modelo de guitarra más difundido debido a la variedad de posibilidades sonoras que le brindan sus tres pastillas de bobinado único y su selector de pastillas de cinco posiciones, así como su palanca de vibrato que la hace especialmente adecuada para el rock duro.

Telecaster: Nació para la música country (aún no existía el rock); se buscaban los sonidos brillantes de los banjos y de las guitarras metálicas (la mayoría de los solos de este género musical se interpreta con estas guitarras). Pero se adaptó muy bien al rock y es utilizada por guitarristas como Bruce Springsteen y Brian Adams. Lleva dos pastillas de bobinado único.

Gibson:

Les Paul: La versión más divulgada es la del modelo Standar, que tiene dos pastillas de doble bobinado (humbucker), y un selector con tres posiciones de pastillas. Es muy apropiada para tocar jazz y blues, así como diversos temas de los 60 y 70. En los 90 ha resurgido gracias a Guns’n'Roses, Gary Moore y los grupos grunge.

Gibson Sg: Aunque ahora parezca increíble esta guitarra surgió como reacción a la escasez de ventas de la Les Pauls en los años cincuenta, por lo que Gibson decidió buscar nuevos diseños. El modelo de la foto corresponde a la versión actual de SG, fabricada a partir de 1960, y que se caracteriza por sus dos recortes y bordes afilados.

De caja hueca: Pretende compaginar las cualidades sonoras de una guitarra acústica y el sostenimiento de una eléctrica, para ello su cuerpo combina una caja hueca con forma de “f” con un bloque de madera maciza en el centro para darle mayor sostenimiento y evitar los acoples producido por una excesiva vibración de la tapa. No es la favorita de los “rockeros” y su principal interprete es BB King.

Otras Gibson:

Flying V: De las tres guitarras que aparecen en esta sección, la Flying Vfue la mejor recibida. Hendrix fue quien más contribuyó a popularizarla. El modelo de la foto es una de las primeras Flying V, hecha en 1958.

Explorer: En un principio esta guitarra tuvo muchos problemas y se calcula que se hicieron unas cien (que ahora son muy buscadas) hasta que interrumpió su producción en 1959. Era una concepción demasiado futurista para la época, aunque luego se relanzó en los setenta.

Firebird: Apareció en 1963 como una versión “rebajada” de la Explorer, pero se plantearon problemas legales con Fender acerca del diseño, y en 1965 Gibson cambió la forma de sus guitarras. La que aparece en la foto es una reproducción de 1972 con sistema de vibrato Maestro.

Otras Guitarras:

Rickenbacker: Adquirió gran prestigio en los años sesenta con sus distintivos diseños, como laguitarra de doce cuerdas, cuyo sonido puede oirse en “Mr Tamborine Man” de los Byrds, tocada por Roger McGuinn. Este modelo de 1964, de escala corta, era la versión britanica de la Rickenbacker 325. Las Rickenbacker de seis cuerdas tienen un sonido propio, muy diferente del de las Fender y las Gibson. (izquierda)

Charvel Jackson: Los fabricantes Wayne Charvel y Grover Jackson se unieron en 1978. Empezaron a llamar la atención con una guitarra de encargo para el difunto Randy Rhoads que es la que aparece en la foto. En los últimos años, sus distintivos diseños se han llegado a identificar con el heavy metal y han sido muy imitados. Pero las Jackson auténticas están hechas con materiales de primerísima calidad y con métodos artesanales, lo que les ha valido el respaldo de muchos guitarristas de rock de primera fila.

Epiphone: Esta compañía fue independiente hasta que Gibson la compró en 1957, lo que provocó que gran parte de la maquinaria y del personal fuesen a parar a la compañía Guild. El modelo de la foto es la Epiphone Coronet que fue una de las primeras Epiphone eléctricas de cuerpo macizo y fue construida entre 1959 y 1964.

La guitarra (también llamada viola o guitarra criolla, por ejemplo en Argentina y Cuba, respectivamente) es un instrumento musical de cuerda pulsada, compuesto de una caja de madera con un agujero acústico en el centro de la tapa, seis cuerdas y un mástil sobre el que va adosado el diapasón o trastero. Sobre el diapasón van incrustados los trastes. Es el instrumento más reconocido en géneros como blues, rock y flamenco. También es utilizada en géneros tales como rancheras y gruperas, además del folclore de varios países. Por su portabilidad y la posibilidad de ser interpretada tanto melódica como armónicamente, es uno de los instrumentos más populares en todo el mundo, a lo que contribuye su facilidad de aprendizaje.

Tipos de guitarra [editar]De ordinario, la guitarra suele conocerse también como “guitarra española”, “guitarra clásica”, “viola” (Argentina) o “guitarra criolla” (Cuba). Conviene respetar esas denominaciones, para distinguirlas de otros instrumentos con los que está estrechamente emparentada y que tienen un uso tanto o más extendido que la propia guitarra “española”.

Guitarras del renacimiento y barroco [editar]Las guitarras del renacimiento y barroco son ancestros de las guitarras clásicas. Son más delicadas y producen un sonido más débil. Son más fáciles de distinguir de otras guitarras, ya que su cuerpo es más delgado y plano.

Guitarra acústica [editar]Artículo principal: Guitarra acústica
El adjetivo “acústica” es tomado directamente del inglés (acoustic) por el uso que de dicho adjetivo hacen los anglófonos, para diferenciar la guitarra de caja con respecto a la guitarra eléctrica. Es claramente equívoco, pues la guitarra, por definición, es un instrumento acústico. Ocurre que la guitarra llamada “acústica” deriva de los diseños de CF Martin y Orville Gibson, principalmente, luthieres americanos que desarrollaron su actividad principalmente a finales del S. XIX. Por ejemplo, para denominarlas los alemanes utilizan el adjetivo “western” (literalmente “guitarras del oeste”, como las películas), lo que se acerca más a su naturaleza y a la clase de música que las hizo populares.

La guitarra conocida comúnmente como “acústica” se caracteriza por tener normalmente una caja más ancha con “hombros” más rectos y un mástil más estrecho (aún admitiendo los innumerables tipos de guitarra acústica), pero su principal característica es que usa cuerdas metálicas, de níquel o acero. Ello produce una mayor resonancia y un sonido más brillante y agudo que una guitarra española.

Como las españolas estas guitarras se llaman así por emitir su sonido sin ningún tipo de amplificación eléctrica, sólo por transducción de la fuerza mecánica. Así las cosas, esta catalogación lleva a confusión, pues entre las guitarras “no eléctricas” hay dos tipos principales, que se distinguen por el tipo de cuerdas y la construcción del cuerpo: las guitarras llamadas “españolas” o “clásicas” (que tienen cuerdas de tripa, hoy nailon) y las llamadas “acústicas”, con cuerdas metálicas y el cuerpo normalmente mayor. Las clásicas se tocan normalmente sentado aunque, como es usual en las acústicas y eléctricas, también pueden colgarse mediante una correa si se adaptan. En México, éstas son usadas en los mariachis y otras bandas.

Guitarra de flamenco [editar]
Guitarra Flamenca con dos golpeadoresArtículo principal: Guitarra de flamenco
En España existe una variante muy extendida, similar a la guitarra clásica, de la que es difícil distinguirla a simple vista, conocida como guitarra de flamenco o “guitarra flamenca”. Realmente, el repertorio clásico se incorporó a la guitarra relativamente tarde y la guitarra fue desde su más remota evolución un instrumento popular, por lo que no sería descabellado admitir que la guitarra auténtica es la de flamenco, mientras que la guitarra clásica es la evolución.

Varía su sonido por una construcción ligeramente distinta y el uso de distintos tipos de maderas. La guitarra flamenca tiene un sonido más percusivo, su caja es un poco más estrecha, y generalmente las cuerdas están más cerca del diapasón.

La guitarra flamenca tiene menos sonoridad y ofrece menos volumen que una guitarra clásica de concierto, pero su sonido es más brillante, y su ejecución es más fácil y rápida, debido a la menor altura de las cuerdas, lo que permite que se pueda hacer menos presión con los dedos de la mano izquierda sobre el diapasón.

Tradicionalmente las clavijas de afinación eran completamente de palo y se embutían en la pala de la guitarra de forma perpendicular a ella.

Suele llevar debajo de la roseta o agujero un guardapúas, golpeador o protector (a veces también uno superior), para evitar que los rasgueos y golpes que se dan en la tapa armónica, tan típicos en el Flamenco, afectan a la madera.

Guitarras rusas [editar]Estas guitarras contienen siete cuerdas en vez de seis. La afinación de esta guitarra es completamente distinta a la española, ya que no es simplemente una guitarra acústica con una cuerda añadida.

Guitarras eléctricas [editar]Artículo principal: Guitarra eléctrica

Guitarra eléctrica EpiphoneUna guitarra eléctrica es una guitarra con uno o más transductores electromagnéticos llamados “pastillas” que convierten las vibraciones de las cuerdas en señales eléctricas capaces de ser amplificadas y procesadas. Hay tres tipos fundamentales de guitarras elécricas: las de cuerpo sólido, las de cuerpo semi sólido y las de cuerpo hueco. Históricamente las primeras en inventarse fueron las de cuerpo hueco, al derivarse de guitarras de caja a las que se incorporaba un micrófono para poderse escuchar en las bandas de Jazz.

Las guitarras de cuerpo sólido carecen de caja de resonancia, de forma que el cuerpo es un trozo de madera en el que van embutidos los micrófonos o “pastillas”. Los modelos más conocidos son la Gibson Les Paul o las Fender Stratocaster y Telecaster. Las guitarras eléctricas de cuerpo semi sólido se caracterizan por tener, a veces, agujeros al exterior con formas en “f” similares a los de las cajas de resonancia de los violines y otros instrumentos acústicos. Las guitarras semisólidas, como la Gibson ES-335 o la Fender Telecaster Thinline tienen un bloque central para evitar los acoples.

La guitarra eléctrica necesita siempre ser conectada a un amplificador o a un sistema de amplificación, mesas de mezclas, etc., mediante un cable coaxial (normalmente un conector jack 6,3 mono). La guitarra eléctrica es uno de los insturmentos más importantes hoy en día, y aún diríamos imprescindibles en muchos géneros musicales modernos.

Guitarras electroacústicas [editar]Son guitarras de caja (española o acústica) que poseen un previo de amplificación electrónico para conectarse a una fuente amplificada externa. También son llamadas guitarras electrificadas, término que hemos de reputar sinónimo, y que resalta el hecho de que el sistema de previo puede haberse instalado en origen o por el propio usuario.

La electrificación de una guitarra de caja elimina el uso del micrófono, ya que se conecta como una guitarra eléctrica a un amplificador externo. Ello evita en gran medida los acoples y facilita la labor del ingeniero de sonido en las grabaciones. Sin embargo, el sonido no es exactamente el mismo, ya que el micrófono que recoge el sonido se encuentra dentro de la caja y no fuera, que es donde se escucha el sonido real de la guitarra.

La diferencia con una guitarra eléctrica de caja (que son las que se usan habitualmente en Jazz) es sobre todo el tipo de pastilla, pues mientras estas guitarras usan piezos y dan un sonido más natural, la guitarra eléctrica normalmente usa pastillas magnéticas y da un sonido nuevo y distinto.

Guitarras MIDI [editar]Son guitarras especiales o adaptadores para guitarras convencionales que permiten controlar un sintetizador vía MIDI (protocolo de transmisión de datos que permite enviar información musical entre distintos dispositivos conectado por medio de cables). De esta manera, un guitarrista que no tiene habilidad para ejecutar un teclado o un órgano electrónico puede dispararlos desde una guitarra MIDI.

Una técnica básica es la de utilizar un conversor monofónico de frecuencia de audio a MIDI (Pitch to MIDI converter) tomando la señal de audio de la guitarra por medio de colocar un micrófono en la boca de la misma o por medio de su salida de audio. También se comercializan puentes más sofisticados que pueden detectar la vibración de cada cuerda por separado de tal forma de poder ejecutar acordes, es decir, que poseen polifonía de 6 voces o simultaneidad de disparo de notas.

También existen guitarras MIDI totalmente electrónicas que poseen algo así como teclas o pads en los trastes y aletas a manera de cuerdas a la altura de donde estaría ubicada la boca de una guitarra convencional.

Una guitarra MIDI puede emularse por medio de programas informáticos que convierten señales de audio a MIDI, aún en tiempo real.

Otras guitarras [editar]La guitarra acústica original fue la base de experimentaciones muy numerosas desde su invención, y sólo una parte de estos instrumentos son todavía utilizados hoy, hasta de manera marginal.

Existen por ejemplo unas guitarras con un número diferente de cuerdas: a menudo encontramos en los grupos guitarras acústicas a doce cuerdas: los seis acostumbrados, acoplados individualmente a su octava respectiva (salvo los dos más agudos, duplicados al unísono). El guitarrista de jazz, Tiny Grimes utilizaba una guitarra a cuatro cuerdas. Ciertos músicos clásicos como Narciso Yepes tocan una guitarra a diez cuerdas, independientes o duplicadas. Algunos tocan también guitarras con tres cuerdas, como los miembros del grupo de Rock Presidents Of the United States Of America, que utilizan una guitarra entre las que tres de seis cuerdas han sido retiradas, y un bajo de dos cuerdas. En el mismo estado agudo, el guitarrista de los Rolling Stones, Keith Richards, a menudo retira la cuerda de MI grave de sus guitarras. También podemos citar las guitarras “fretless” (“sin frettes”), al toque liso, con las cuales las notas son obtenidas a manera de un contrabajo, la guitarra baritono que se acerca al bajo, y los modelos de aprendizaje talla “1/2″ o “3/4″, a las dimensiones reducidas, para facilitar su encargo por niños. Por último, la guitarra “juguete”, más o menos facticia, es una ineludible de los catálogos de juguetes. Existe también guitarras a doble diapasón. Estos permiten en paralelo cambiar de afinación durante un pedazo conservando al mismo tiempo la misma guitarra, y hasta pueden utilizarse en simultáneo. Existen también modelos eléctricos sin clavijero. Este método se inició a mediados de los años ’80 por la empresa Steinberger.

Historia [editar]Existen evidencias arqueológicas de que en 1400 a.C. los hititas crearon instrumentos de cuerda parecidos a la lira —el instrumento de varias cuerdas más sencillo y antiguo del mundo— pero con el agregado de una caja de resonancia, por lo que serían antecesores de la guitarra.

En la India estos instrumentos eran conocidos en idioma sánscrito como sitâr, palabra que daría origen a la palabra “guitarra”.

Estos instrumentos llegaron hasta los griegos, que deformaron ligeramente su nombre, kizára, que los ingleses transliteran kithara. Luego tomaron este nombre e instrumento modificándolo por chíttara, que en castellano se terminó llamando cítara.

El primer instrumento con mástil fue la ud árabe, cuyo nombre los españoles terminaron fundiendo erróneamente con su artículo: «la ud» femenina se convirtió en el masculino «laúd». Fueron precisamente los árabes quienes introdujeron el instrumento en España, donde evolucionó de acuerdo a los gustos musicales de la plebe bajo dominación musulmana.

En la Península Ibérica la guitarra era ya muy utilizada a finales del siglo XVII, cuando Gaspar Sanz compone su Instrucción de música sobre la guitarra española y métodos de sus primeros rudimentos hasta tañer con destreza. Anteriormente había guitarras de nueve cuerdas: una cuerda simple y cuatro “órdenes” —pares de cuerdas—.

En todo caso, parece claro que fue en España donde tomó carta de naturaleza, pues a diferencia de las guitarras construidas en otros países y lugares de Europa, donde se fabricaban guitarras sobrecargadas de incrustaciones y adornos que la hacían casi imposible de tocar, la guitarra española se hacía para ser tocada y fue tan popular que incluso Sebastián de Covarrubias, capellán de Felipe II y egregio lexicógrafo español, llegó a decir: “la guitarra no vale más que un cencerro, es tan fácil de tocar que no existe un campesino que no sea un guitarrista”.

Aunque todos los países reivindican su intervención en la invención de la guitarra (con especial mención de los franceses, muy reivindicativos en este punto) aspectos tales como la forma, la estructura y la afinación, derivan directamente de la guitarra tal como los luthieres españoles la diseñaban, sin olvidarnos de los europeos como Stauffer, de quien derivan los diseños de su discípulo CF Martin.

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, algunas guitarras usaban seis cuerdas simples y emplearon unas barras de refuerzo debajo de la tapa armónica. Estas barras fueron añadidas para reforzar la estructura y permitieron adelgazar la tapa para obtener una mayor resonancia y una mejor distribución del sonido a lo largo de la tapa armónica. Otros desarrollos contemporáneos incluyen el uso de un mástil reforzado y elevado usando madera de ébano o palisandro, y la aparición de un mecanismo de tornillo metálico en lugar de las clavijas de madera para afinar. (Es importante destacar que el trastero elevado ha tenido un gran impacto en la técnica del instrumento porque las cuerdas estaban demasiado lejos de la tapa armónica de forma que había que apoyar uno de los dedos de la mano derecha para que sirviera de soporte a los demás). Estas guitarras serían reconocidas inconfundiblemente como las primeras guitarras clásicas.

En los comienzos del siglo XIX, en los trabajos de los españoles Agustín Caro, Manuel González, Antonio de Lorca, Manuel Guiterrez y otros constructores europeos incluyendo a Rene Lacote y a Johann Stauffer encontramos las características de los precursores más directos de la guitarra clásica moderna. Johann Stauffer, vienés, tiene una reputación legendaria. Como adelantábamos, en su tienda aprendió a construir guitarras C. F. Martin, que luego se trasladaría a los Estados Unidos y cuya firma sigue construyendo guitarras hoy en día. También desarrolló el trastero elevado, a petición de Luigi Legnani, el guitarrista y primer interprete de los conciertos de Paganini. Sus otros avances en la construcción de la guitarra incluyen un mástil ajustable y reforzado con acero y las clavijas de tornillo sin fin que todavía se usan en las guitarras modernas.

Hacia 1850, la guitarra se preparó para el más importante desarrollo que hubiera tenido desde sus comienzos: el trabajo de don Antonio Torres Jurado. Con el apoyo de Julian Arcas y sus propias y brillantes intuiciones, don Antonio Torres Jurado refinó los soportes estructurales de la guitarra incluyendo siete varas extendidas bajo la tapa armónica. Aumentó también el tamaño de la caja de resonancia y el ancho del mástil. Estas innovaciones influyeron en la mejora del volumen del sonido y la respuesta en los bajos así como el descubrimiento de una técnica para la mano izquierda para el enriquecimiento del repertorio. Ahora la guitarra ya estaba preparada tanto para las demandas del solista como para las del conjunto instrumental.

El luthier español José Ramírez III junto al guitarrista Narciso Yepes le agregaron cuatro cuerdas más en las graves, sobre un amplio mástil cuyos múltiples trastes permiten ampliar notablemente la gama de sonidos de la mano izquierda. Narciso Yepes tocó por primera vez esta guitarra de diez cuerdas en Berlín en 1964 y, a partir de ese año, fue su instrumento habitual en los conciertos, especializándose en piezas renacentistas y barrocas.

Partes de la guitarra [editar]
Partes de la guitarra eléctrica

Partes de la guitarra española o clásica
Partes de la guitarra clásica y eléctrica
Clavijero
Cejilla (también cejuela o puente superior)
Clavija
Trastes
Tensor del mástil
Marcadores de posición
Diapasón
Cuello
Caja (clásica) o cuerpo (eléctrica)
Pastillas o micrófonos
Perillas o controles de volumen y tono
Puente
Protector o golpeador
Tapa
Tapa armónica
Aro
Roseta
Oído o boca
Cuerdas
Mástil
Algunas guitarras poseen más de un diapasón (máximo conocido 5 mástiles) o sobrepasan las 7 cuerdas.

Clavijero [editar]Situado en el extremo del diapasón, es sobre este que vienen las cuerdas para atarse. Su tensión puede modificarse para la afimación mediante un sistema de tornillos sin fin impulsados por las clavijas, que implican pequeños rodillos sobre los cuales se envuelven las cuerdas. Éstas pasan a continuación por el puente superior, en el cual se cavan pequeños surcos que guian cada cuerda hacia el diapasón hasta llegar al clavijero.

Afinación [editar]Las cuerdas de la guitarra se nombran de abajo hacia arriba —desde las más agudas a las más graves— con números ordinales: primera cuerda o cuerda prima, segunda cuerda, tercera cuerda, etc. También se las conoce con el nombre de su nota de afinación —como se hace también en los violines, violas, violonchelos y contrabajos—: la cuerda mi4 —la primera cuerda—, la cuerda si3 —la segunda—, sol3 —la tercera—, re3 —la cuarta—, la2 —la quinta— y mi2 —la sexta— siendo el do4 la nota central de un piano. En algunas obras el compositor pide al guitarrista que baje dos semitonos, o un tono, la sexta cuerda —desde el mi2 al re2—.

En las partituras las cuerdas se nombran con números romanos: I, II, III, IV, V y VI. Las obras para guitarra se escriben en clave de sol, transpuestas una octava más aguda como si la guitarra fuera un instrumento más agudo: el mi4 de la primera cuerda al aire se escribe como si fuera un mi5 —el mi del cuarto espacio del pentagrama con clave de sol, contado de abajo hacia arriba—.

A las tres cuerdas más graves —la cuarta, quinta y sexta cuerda y, particularmente, a esta última— se las llama “bordonas”, mientras que “bordonear” es la ejecución de un bajo acompañante de una obra de música.

También se cambian las tonalidades de las cuerdas poniendo una cejilla que se sitúa un traste más alto por cada semitono que se quiera aumentar. Por ejemplo si se coloca una cejilla en el primer traste la afinación sería la siguiente: Fa4, la#3, re#3, sol#3, Do2 y Fa2 “por que las notas Mi y Si No Tienen sostenidos”

La guitarra de diez cuerdas es como la suma de una guitarra común de seis cuerdas y un contrabajo —afinado normalmente: sol2, re2, la1 y mi1—.

Hueco especial para notas agudas [editar]La forma de las guitarras no siempre es simétrica. Las guitarras eléctricas y algunas acústicas y clásicas suelen presentar una especie de curva para facilitar el acceso a los trastes más cercanos a la boca, para llegar hasta las notas más agudas. Este corte en la caja se suele llamar “cutaway”. Dependiendo de si el guitarrista es diestro o zurdo, la guitarra se construirá con ese hueco ubicado a uno u otro lado de la caja armónica.

Ejecución [editar]
Técnica del fret tapping: ambas manos digitan notas en el diapasón. Van Halen popularizó esta técnica en los años 70.
Ejemplo de movimiento de la mano izquierdaLa guitarra se toca apoyando la caja armónica sobre el regazo, con el mástil o diapasón hacia la izquierda. Esto hace que las cuerdas más graves queden arriba y las más agudas abajo.

Para tocar la guitarra se apoyan los dedos de la mano izquierda sobre algunas cuerdas, oprimiéndolas contra el mástil o diapasón justamente entre los trastes —resaltes de metal incrustados a intervalos en el mástil— de manera que a las cuerdas les quede la longitud libre correspondiente a la altura o sonido deseada.

Una vez que se ha fijado de esta manera la longitud de todas las cuerdas o de las cuerdas que se desea pulsar, la mano derecha las rasguea, puntea o arpegia, generando una melodía si toca un sonido por vez, un acorde si se ejecutan dos sonidos o más, o una armonía si se arpegia ese acorde.

Asimetría: Para los principiantes, la mano izquierda del guitarrista es la que realiza el trabajo más difícil para tocar la guitarra, ya que se debe apoyar la yema de todos los dedos de la mano —excepto el pulgar, que generalmente se ubica detrás del mástil de la guitarra— con mucha firmeza. Sin embargo, para los más expertos —una vez aprendidos los movimientos de la mano izquierda — la verdadera dificultad está en la habilidad con la derecha.

En la guitarra electrica se suelen utilizar diversas tecnicas principalmente en el rock. Entre ellas se encuentran el tapping (popularizado por Eddie Van Halen); el sweep picking (Malmsteen, Jason Becker), etc.

Las guitarras para zurdos [editar]Muy pocos de los guitarristas zurdos que tocan con la guitarra “al revés” mantienen las cuerdas tal como se ubican en el orden normal de la guitarra, ya que las notas graves les quedarían abajo, haciéndose difícil de tocar. Sin embargo, algunos zurdos se las arreglan para tocar invirtiendo el gesto del rasgueo y el punteo: en vez de hacerlo siempre hacia abajo, lo hacen hacia arriba. Así toca por ejemplo Santiago Feliú, guitarrista y cantautor cubano de la Nueva Trova Cubana, y tocaban Jimi Hendrix o Kurt Cobain.

La mayoría de los guitarristas zurdos al poner al revés la guitarra se ven obligados a invertir también el orden de las cuerdas, para que las cuerdas graves queden arriba de las agudas. En el caso de instrumentos eléctricos con cutaway, la construcción del instrumento suele ser especial para zurdos, con los controles, las salidas, el clavijero y los recortes y acomodos de la forma de la guitarra hechos como una imagen especular de una guitarra para diestros.

No obstante, también es muy común el caso de zurdos que aprenden a tocar este instrumento del mismo modo que lo haría un diestro, sin causar ningún problema en el aprendizaje y la interpretación de obras con la guitarra, como es el caso del guitarrista principal del grupo Oasis, Noel Gallagher, el guitarrista argentino Juanjo Domínguez o Mark Knopfler de los Dire Straits.

Obras célebres para guitarra [editar]
Clásica [editar]Juegos prohibidos, romanza anónima, atribuida a Fernando Sor (1778-1839) por ciertos musicólogos.
Recuerdos de la Alhambra de Francisco Tárrega (1852-1909)
Asturias de Isaac Albéniz (Transcripción de la obra original para piano)
Concierto de Aranjuez y Fantasía para un gentil hombre de Joaquín Rodrigo (1901-1999)

Folk [editar]Dust in the Wind de Kansas
A Horse With no Name de America
Yesterday de The Beatles
Hallelujah de Leonard Cohen, popularizado por Jeff Buckley
All Along the Watchtowers de Bob Dylan (El título será repetido por Jimi Hendrix)
Knocking on Heaven’s Doors de Bob Dylan (Tocada años mas tarde por Guns N’ Roses)
Song For Kathy de Marcel Dadi

Eléctrica [editar]Voodoo Child (Slight Return) de Jimi Hendrix – Rock
Stairway to Heaven de Led Zeppelin – Rock
Smoke on the Water de Deep Purple – Rock
Satisfaction de Rolling Stones – Rock
Johnny B. Goode de Chuck Berry – Rock
Layla de Eric Clapton – Rock
Apache de Shadows – Pop/Rock
Back In Black de AC/DC – Rock
Money for Nothing de Dire Straits – Rock
Sultans of swing de Dire Straits – Rock
Another Brick in the Wall Part II de Pink Floyd – Psychodelic Rock

History of the Spanish Guitar

The classical guitar is also known as the Spanish guitar. Many say that the guitar evolved in Spain. In the early days, when the lute was the popular instrument in Europe, Spaniards did not wish to use it. Instead, they decided to invent the guitarra.

The Guitarra

Originally, the guitarra had only four strings, instead of the six that there is in modern guitars today. Soon, two more strings were added to the guitar. Although many might think that was the final guitar, it was far from the final result. All of these strings were double strings, and they were also made out of gut. There were many versions of the guitarra. For example, there was a Guitarra Latina, which was the Latin Guitar. This guitar was not as smooth as the others, and had a more curved feature for the sides. Many say that because of this guitars unique features, it was originated somewhere else before it came to Spain. Another type of guitarra was the Guitarra Morisca. This guitar came to Spain by the Moors. The Moors also brought the lute to Spain later on in time, but because of a strained relationship, Spaniards would turn to the guitarra instead of the lute. The sound on this guitar was altered mainly by all the holes in it. For example, the sound box on the Guitarra Morisca was shaped as an oval. Also, all across the sound body of the guitar, there were numerous ovals all over it. The Guitarra kept on evolving. There were many altered editions that came out. For example, soon it was common to see the guitarra with three or five strings.

After the Guitarra

The instrument was later named as the vihuela after it contained six double strings. Soon after the vihuela guitar came the evolution of the classical guitar. Late in the 1770s, the early versions of the classical guitar became more and more popular. Many began to use these guitars at musical performances. In the past, romantic plays were part of the most common plays during the time period. The classical guitar began to become more and more common at these romantic performances. During the romantic time period, the classical guitar began to shine. Many even consider this the “Golden Age” for the classical guitar.

Classical Guitar

During the late 19th century, many started to write music just for the classical guitar. The classical guitar was on the rise, and the music began to get more popular. One of the main factors for the popularity of the music was the composers. In the past, the people who composed music for the classical guitar also played the classical guitar. But, the problem was that not all of them had immense knowledge for the classical guitar. Later on, not all composers could be able to play the instrument. They would simply get a musician to play, but use their knowledge about music to compose great songs.

Notable Spanish Composers

Among many of the famous Spanish composers and guitarists are: Andr s Segovia, Federico Moreno Torroba, Joaquin Rodrigo, Paco De Lucia, and Grisha Goryachev.